CENDEAChttp://cendeac.net/urn:uuid:b6ad245c-0ae4-55f1-8801-b9a7d5654e202018-11-12T10:58:17ZCENDEACinfo@cendeac.netCiENOjETES: El gatillazo de la fotografía españolaurn:uuid:00a7143e-4baa-5055-aed2-6ff84c2bed192018-11-12T10:58:17Z

Presentación Libro / 20h / 4 de diciembre / Espacio 0

Fracaso Books irrumpió en el panorama nacional con “Los Modlin” un libro en el que Paco Gómez -su autor y fundador de la editorial- narraba la historia de una familia a través de un montón de fotografías encontradas en la basura. El merecido éxito de este libro sorprendente y poético asentó un proyecto editorial que desde entonces ha ido publicando libros que exploran las relaciones entre la imagen y la palabra. También la historia, el cine, la ciencia ficción y el humor.

En Murcia contaremos con la presencia de Paco Gómez para presentar Cienojetes. “El gatillazo de la fotografía española” un libro que recoge los divertidísimos e inteligentes post que los murcianos Nacho Canon y Nicon Pepinos escribieron en un blog que diseccionaba con un humor corrosivo autores, tendencias y modas en la fotografía española.                     

Aquí os dejamos una entrevista con el editor


SINOPSIS

No hace mucho tiempo, en pleno boom de la fotografía española y en la galaxia cercana de Murcia, dos personajes anónimos bajo el nombre de Nacho Canon y Nicon Pepinos, crearon el blog de crítica fotográfica Cienojetes. En pocos meses sus artículos se hicieron virales. Desde el más simple aficionado, al mayor pope de la fotografía quedaron desenmascarados y todo el sector, que se veía reflejado en esos comentarios, especulaba con quien podría estar detrás de aquella sátira.

Cienojetes desapareció sin dejar rastro ni revelar su identidad. Sus chistes llenos de ironía, sobre un mundo tan pequeño y cargado de ínfulas, estarán para siempre en la mitología de la fotografía española contemporánea. Este libro, ideal para leer en la taza del váter, recupera y remasteriza lo mejor de su producción. La muchachada debe estar feliz, porque por fin se rinde culto y se sitúa en la historia aquellas palabras olvidadas que tanto nos hicieron reír.

 

 

 

Nacho Canon (paritorio de El Carmen, 1975) es Doctor en Informática por la universidad de Murcia, aunque jamás ha curado a nadie. Ama la fotografía, si bien no es correspondido. Como fotógrafo ha tenido una trayectoria plagada de estrepitosos descalabros. Por dos veces intentó publicar el mismo fotolibro, pero quiso el destino hacer justicia y destrozarlo en el proceso de encuadernación. No contento con ello, logró engañar a una incipiente editora y publicó un fotolibro sano del que no ha vendido ni las consabidas 150 copias. Cuando en este libro nos habla, entre otras cosas, sobre el fracaso lo hace con conocimiento de causa.



Nicon Pepinos
(sanatorio San Carlos, 1971) es licenciado en Geografía e Historia, pero las historias que domina son las fotográficas. Pronto dio pruebas de su talento con el carrete, cansándose de ganar reputados premios, como el extinto Concurso de Fotografía Campo de Murcia del ayuntamiento de esa ciudad o el de Semana Santa de Orihuela, y de exponer en salas tan relevantes como la estación de Beniaján o El Corte Inglés de Alicante. Hay maestros de la fotografía de este país que no dan un paso sin antes consultarle. Cuando en este libro escribe, entre otras cuestiones, sobre el éxito es porque lo ha vivido en sus carnes.

 


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Taller de Encuadernación Japonesaurn:uuid:41d3d431-7f58-5c31-b8e4-900956c222392018-11-06T11:59:48ZTaller 10-12h / CENDEAC Espacio Biblioteca 

El próximo miércoles 17 de octubre, Amelia García impartirá un taller de iniciación a la encuadernación japonesa basándose en la enseñanza de tres cosidos básicos: Kangxi, Kikko Toji o concha de tortuga y Asa no ha Toji u hoja de cáñamo. Durante 2 horas los y las alumnas tendrán la oportunidad de practicar las distintas técnicas y realizar su propia libreta con el cosido Kangxi. Una ocasión perfecta para sumergirnos en la artesanía y en la cultura oriental. 

Está será la estructura del taller:

 1. Introducción a la encuadernación japonesa / 30 min.

Los tipos de encuadernación, ejemplos y libros relacionados con el tema, los materiales y dónde comprarlos.

2. Encuadernación Kangxi / 1h.

3. Otros cosidos para que practiquen en casa Kikko Toji y Asa no ha Toji /1h.

Para participar en el taller es necesario inscribirse en hola@ameliagarcia.es. Precio 20€

 

 


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Aita Salinas+Joaquin Luna_PANORAMA1urn:uuid:d0e3addc-74e5-5b54-9525-e6e5024d7b482018-11-05T11:49:58ZConferencias 4ª sesión


13 de nov 2018 / 19.30 / Cendeac / Espacio 0                                                                     

 

Aita Salinas y Joaquín Luna, dos de los ocho ganadores y ganadoras de PANORAMA1 charlaran en CENDEAC sobre sus trabajos seleccionados para este proyecto, su proceso de creación y sus experiencias en torno a la fotografía.

Modera: Gustavo Alemán

 

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

Más info aquí

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Taller de Collage Históticourn:uuid:c108a019-8134-5895-99cc-bc0ca64bb9f12018-10-30T11:49:24ZTaller Multiversos, máquinas del tiempo, la mirada del momento: ¿la mirada de quién?. ¿Qué hubiera sido si (what if)?. ¿Nuevas teorías y descubrimientos? A partir de recortes de revistas de historia y libros escolares, jugaremos a crear nuestros diagramas temporales cortando y pegando.

 

Imparte: Gelen Jeleton (María Ángeles Alcántara Sánchez)

 - dirigido a todas las edades

 - plazas limitadas a 20

El taller es gratuito, si estás interesado/a puedes reservar tu plaza enviando tus datos (nombre completo, teléfono y correo electrónico) a inscripciones@cendeac.net

 

 Espacio Biblioteca CENDEAC_18h-20:30h

 

 

 

BIO

Gelen Jeleton (Murcia, 1975) realiza su práctica artística junto con Jesús Arpal Moya en el Equipo Jeleton* desde 1999. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Cuenca, se posgraduó en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en simbolismo renacentista y alquimia. Estos conocimientos los traslada para ponerlos en práctica en su tesis doctoral "Una Archiva del DIY (Do It Yourself): autoedición y autogestión en una fanzinoteca feminista-queer", presentada en Bellas Artes de la Universidad de Murcia en febrero de 2016. Durante los años 2014 y 2015 con motivo de su investigación se traslada a México con una estancia en el PUEG (Programa Universitario de Estudios de Género) en la UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México) donde se implica en el proyecto "Mujeres en Espiral. Sistema de Justicia, perspectiva de género y nuevas pedagogías" con la edición de los fanzines "Leelatu#1" (2014) y "Leelatu#2: trabajo" (2015) en el penal de mujeres de Santa Martha Acatitla.

Interesada en archivar como acto performativo y en estrategias de visibilización crea el grupo de investigación: "Fanzinotecas: método y resultado: el fanzine como herramienta emancipadora" (2018) y el proyecto de exposición itinerante junto a Iurhi Peña de "Autoeditoras: ¡hacemos femzines!" (2015-2018).

Usa la música y dibujo como lenguajes empoderantes, de la narrativa a la poesía coreografiándola en el dibujo. Practica un artivismo académico al que llama "El peso del libro" y que ha resumido en tres estados: "bibliografía como autorretrato", "resistencia bibliográfica" y "la cita y consecuencias de uso". Propone un estudio iconológico de mitopoiesis deconstruida a partir de observación y localización de los gritos continuados dibujados en pancartas, camisetas, tatuajes en las calles. Publica resultados temporales en textos y proyectos de dibujo como "Historia Política de las Flores" (Jeleton) sobre el simbolismo de las flores como lenguaje de resistencia.

*Jeleton es un equipo para operar en repertorios iconográficos, literarios, musicales. Para proponer prácticas autodidactas y la publicación de resultados provisionales para el debate. Para llevar la autoría a situaciones de inexperiencia, humor, apropiación. Para dispersar los resultados en el espacio, el tiempo y los canales de distribución, dificultando su desactivación por el contexto de presentación.


Gelen Jeleton ha producido y presentado su trabajo de arte e investigación en diversas exposiciones, talleres y performances como Matadero, Madrid,2018; Centre del Carme, Valencia, 2018; Centro de Arte Contemporáneo Huarte, Pamplona, 2017; X Bienal de Centroamerica, Costa Rica, 2016; CentroCentro, Madrid, 2017-2016; Halfhouse, Barcelona, 2016; Fundació Miró, Barcelona, 2016; Tabakalera, Donostia, 2016-2017; MACBA, Barcelona, 2012-2015-2017-2018; Ladyfest Barcelona, 2016; Santa Mónica, Barcelona, 2016-2017; L’Estruch, Sabadell, 2016; TEOR/éTica, San José, 2015; Kunstverein Hildesheim, Hildesheim, 2015; Ladyfest Juárez, Ciudad Juárez, 2015, TransHackFeminista!, Puebla, 2015; MUAC, Ciudad de México, 2015; Kadist Art Foundation, París, 2015; La Taller, Bilbao, 2014-2015-2017; MUSAC, León, 2015-2016-2017; Museo Universitario del Chopo, Ciudad de México, 2014-2015; S.O.S., Murcia, 2015; Ex Teresa, Ciudad de México, 2015; Cráter Invertido, Ciudad de México, 2015-2016; Mercat de les Flors, Barcelona, 2015; Cuartel de Artillería, Murcia, 2015; Can Felipa, Barcelona, 2014; AlhondigaBilbao, 2014; Bulegoa z/b, Bilbao, 2012-2014; Arteleku, Donostia, 2014; Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, 2014; ZarataFest 2013-2014, Fundació Tàpies, Barcelona, 2013; Bilbao; Ladyfest Madrid 2005-2008-2013; DAFO, Lleida, 2013; consonni, Bilbao, 2012; CA2M, Móstoles, 2010-2012-2014; ENPAP, Bilbao, 2012; Sametitled, Berlín, 2012; General Public, Berlín, 2012; ALTES FINANZAMT, Berlín, 2012; BilbaoArte, Bilbao, 2012; Arizko Dorretxea, Basauri, 2011; Manifesta 8, Murcia, 2010; Casa Vecina, Ciudad de México, 2010-2016; Le Centquatre, Paris, 2009; Espacio Abisal, Bilbao, 2008, entre otros.


+info
Una Archiva del DIY
http://archivodiymusicaydibujo.tumblr.com/
 

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FULL FRAMES_ Jesús Madriñánurn:uuid:0198fbc7-2f7e-5cf3-a731-fec8fa9b9d3e2018-10-23T11:16:23Z FULL FRAME _25 de octubre de 2018 / 19:30h / Cendeac / Espacio2

Jesús Madriñán en conversación con Pepa González. 

 

Más información sobre la actividad aquí

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Gordon Matta-Clark, un significanteurn:uuid:eaac2d0b-a25e-5915-916e-d23e13869c562018-10-16T08:32:43ZSeminarios Ponentes_ Darío Corbeira, Dora García, Carlos G. Camarena, Miguel Ángel Rego, Pablo Posada  

 

 

 Cartel JPG

Gordon Matta-Clark, un significante es un seminario que abordará el trabajo de uno de los artistas esenciales de los setenta. Este encuentro es una continuación de la colaboración entre el CENDEAC y Brumaria que ya llevó a la realización en el 2017 del seminario “Cuerpo y régimen político en performance”. En esta cita profundizaremos en la dimensión performática de Matta-Clarrk y analizaremos el corpus de una obra que –a pesar de producirse en apenas diez años- se sostiene aún como una referencia esencial en la deriva del arte contemporáneo entre dos siglos. 

Hijo del pintor chileno Roberto Matta y la pintora norteamericana Anne Clark, Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978) tuvo una vida breve pero intensa. Fue un artista poliédrico e intuitivo, con una gran energía y vitalidad, que a finales de los años sesenta irrumpió en la escena artística de Nueva York con el bagaje del pop, el minimalismo y el conceptualismo.

En contacto con artistas del movimiento land art, articuló una crítica institucional que promovió con experiencias colectivas en el espacio público. Gordon Matta-Clark comenzó documentando edificios abandonados, en los que pronto intervino para recortar, vaciar o seccionar figuras geométricas. Sus intervenciones, conocidas como building cuts o cortes de edificios, contenían una renovación del lenguaje escultórico y una crítica no solo a la arquitectura moderna, sino también al capitalismo y al modelo de vida norteamericano.

En solo ocho años, de 1970 a 1978, Matta-Clark creó un corpus artístico complejo, radical e innovador que ha influido en las generaciones posteriores de arquitectos y artistas plásticos. Su prematura muerte en 1978 abortó una carrera marcada por un rápido desarrollo de métodos críticos en el campo del arte y la arquitectura. Los building cuts siguen considerándose obras míticas. Splitting (1973), Day's End (1975) y Conical Intersect (1975) pronto se convirtieron en iconos del activismo urbano. Hoy en día ninguna de estas construcciones se mantiene en pie. Todo lo que queda de ellas son documentos fotográficos, películas, dibujos y, en ciertos casos, restos aislados del edificio. La condición transitoria de esta práctica escultórica y su difusión mediante imágenes documentales radicalizó el posminimalismo y abrió la vía a las tácticas de la anarquitectura.

  Todas las conferencias se impartirán en el CENDEAC (Espacio 0), a excepción de la conferencia de Dora García que se impartirá en el salón de actos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia (Campus de Espinardo)

PROGRAMA

18 octubre 

 Presentación a cargo de Darío Corbeira y Montserrat Rodríguez 18h a 18:15h

 - 18:15h a 19:30h_ Darío Corbeira 

Trabajo físico versus trabajo inmaterial: el caso de Gordon Matta- Clark

 - 19:30h a 19:40h_ Descanso 

 - 19:40h a 21h_ Pablo Posada 

Incisos al habitar. Fenomenología del espacio, del cuerpo y de la arquitectura desde Gordon Matta-Clark

 

19 octubre 

 - 11:30 a 13:30hDora García   Esta conferencia de impartirá en el salón de actos de la Fac. BBAA de la UM

La caída de la casa Matta Clark: Roberto Matta, Gordon Matta-Clark, Anne Clark and Sebastian: una situación familiar y artística

 - 18:00 a 19:30_ Miguel Ángel Rego  

Performatividad y tiempo vivible a partir de Gordon Matta-Clark.

  -19:45 a 21h_ Carlos Gómez Camarena

El arte, el desecho y la obra: Matta-Clark con Badiou y Lacan

Más información aquí

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El seminario es gratuito y de entrada libre hasta completar aforo. Para obtener el certicicado hay que inscribirse enviando un correo con los datos personales (nombre y apellidos, dni, correo electrónico) a inscripciones@cendeac.net y se deberá acreditar al menos el 80% de asiteccia mediante firma en cada una de las hojas de asistencia que se pasarán al final de cada una de las cinco conferencias.

Para cualquier duda o consulta estamos disponibles en 868914385 y en inscripciones@cendeac.net

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Feria de Arte impreso y edición independiente “Impresionante” en el MAC de Santiago de Chileurn:uuid:11058a7f-7092-5b42-b953-0b14222671ba2018-10-05T09:34:35Z El CENDEAC estará presente en la Feria de Arte impreso y edición independiente “Impresionante” en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) del Parque Forestal de Santiago de Chile, los días 12 a 15 de octubre. En el expositor de la revista de arte contemporáneo “Artishock” estará a la venta la edición de la colección "Documentos" “Curaduría de Latinoamérica” de Juan José Santos, editado en 2018 por el CENDEAC. La entrada es gratuita.

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Amelia García+Agus Bres_PANORAMA1urn:uuid:c78cba77-eb90-5ca0-bcaf-53b05339753a2018-10-05T08:08:46Z 16 de octubre 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio 0                                                                     

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Amelia García y Agus Bres, dos de los ocho ganadores y ganadoras de PANORAMA1 charlaran en CENDEAC sobre sus trabajos seleccionados para este proyecto, su proceso de creación y sus experiencias en torno a la fotografía.

Modera: Gustavo Alemán

Más información de la actividad aquí

 

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Marisol Salanova_CONTEXTOSurn:uuid:6a97a142-47a2-5e8f-ad11-3d3564ea727c2018-09-25T10:41:19Z 8 de noviembre 2018  / 20h / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo
 

 

Marisol Salanova, Licenciada en Filosofía y Máster en Producción Artística (UPV), es crítica de arte y comisaria de exposiciones independiente. Colabora con Exitexpress, Descubrir el Arte, Diario Levante y ABC Cultural escribiendo regularmente. Trabaja desde una perspectiva de género siempre mirando al artista como activista, velando por los intereses de todo agente cultural implicado en cada proyecto con equidad y trato horizontal, rompiendo el estereotipo del comisariado por encima de la creación artística.

En resumen, realizando prácticas curatoriales éticas, amplificando el mensaje de cada artista a través de la escritura y del montaje expositivo, lo cual la ha llevado a abordar temáticas arriesgadas y con un trasfondo de denuncia social comisariando exposiciones. Vinculada con el ámbito universitario participa como jurado en las iniciativas PAM!, Art Dating, DKV FreshArt (UPV), Emergents (UV-Ayuntamiento de Valencia) o impartiendo clases en el Master de Historia del Arte y Cultura Visual (UV) del que fue profesora el curso 2017, también dando clase en segundo de carrera en la Escuela Superior de Arte y Diseño Barreira dentro del Grado de Moda en 2018. Como docente además ha impartido workshops en las universidades de Oxford y Brighton (Reino Unido) así como en Berkeley (California, Estados Unidos). Su experiencia comisariando exposiciones, jornadas y festivales culturales en Atenas, Vancouver, París, Madrid, Murcia, Cáceres, Zaragoza, Sevilla y Valencia le lleva a poder transmitir las herramientas adecuadas para presentar un proyecto expositivo desde la parte de gestión administrativa o económica hasta la de montaje expositivo.

En su despacho de Valencia, ciudad donde reside en la actualidad, asesora a artistas y coleccionistas. Con ánimo de ayudar a quienes se introduzcan en el mundo de la gestión cultural y a artistas que quieran conocer sus derechos y posibilidades de acción ante convocatorias, concursos y propuestas expositivas, participa en el ciclo Contextos de CENDEAC. 

www.marisolsalanova.net

 

 CONFERENCIA_ título y resumen                                         

Ética curatorial: Concursos, artistas y montaje expositivo

Vamos a romper con la pirámide de poder que se sostiene tácitamente en el ámbito artístico y por ello cuestionaremos la práctica curatorial que se antepone a la creación artística, sin la cual el engranaje del arte no existiría. Ni crítica ni comisariado tendrían lugar sin la existencia de artistas cuyo trabajo a menudo no se pone suficientemente en valor, supeditado a lo que digan quienes dirijan los centros, fundaciones, museos, galerías de arte, un sector que pide a gritos coherencia, igualdad y ética profesional. Trabajaremos en torno al montaje expositivo y las posibilidades que las técnicas y los conceptos que queramos emplear nos ofrecen, atendiendo a las buenas prácticas, promoviendo la participación y ayudando a generar diálogos que favorezcan llevar a cabo las ideas así como la compresión de la variedad de procesos creativos y maneras de trabajo a la hora de coordinar y montar una muestra.  

Al recorrer una exposición a veces, no todas, se produce un diálogo íntimo con la obra de arte en estrecha sintonía de forma directa, vital, como si estuviéramos a solas frente al trabajo del artista, sin convencionalismos. En cierta medida eso es fruto de una planificación previa y un montaje expositivo que tiene muy en cuenta el discurso que se quiere comunicar, que plantea en una sala de manera no permanente un reflejo o retazo de un proyecto como si de traducir al espacio los conceptos se tratase. Contextualizar es el punto de partida, después analizaremos cuáles son las claves al trasladar con éxito a un espacio físico obra artística de diversas técnicas (instalación, fotogafía, vídeo, pintura, escultura, performance), indagando en la intención del agente cultural que organice la exposición para conocer desde las tareas del coordinador de actividades de un centro a las del comisariado y su relación con la producción artística y su autoría para amplificar su mensaje. Cómo se dirije a solicitar un espacio expositivo concreto, bien sea por medio de.... más info aquí

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EMOCIONES EN SILENCIO, en colaboración con Bill Violaurn:uuid:1348d8c8-36ad-5345-bea4-bdd69a2ff0b02018-09-24T11:20:32ZCursos “Arte y cultura como terapia contra el Alzheimer: Emociones en silencio”, en colaboración con Bill Viola, es una innovadora investigación de tratamiento no–farmacológico realizada por la Unidad de Demencias del Hospital Virgen de la Arrixaca de Murcia.

Bajo la dirección Carmen Antúnez Almagro de la Unidad de Demencias y coordinado por Halldóra Arnardóttir, esta actividad cuenta con la colaboración de dos actores que trabajan habitualmente con Bill Viola, John Malpede y Henriette Brouwers.
 

Jueves, 10 de marzo, 11h: Rueda de prensa presentación del proyecto.

Jueves, 10 de marzo, 17h30: Inauguración de “Arte y cultura como terapia contra el alzheimer: Emociones en silencio” con la exhibición del video “Six Heads”. A puerta cerrada.

Viernes, 11 de marzo, 19h: Conferencia abierta al público impartida por John Malpede y Henriette Brouwers sobre su experiencia trabajando con Bill Viola en la exposición “The Passions” y dirigiendo su compañía: Los Angeles Poverty Department (LAPD). Abierto al público.

Jueves, 24 de marzo, 19h, Espacio 5: "Seis cabezas: entre la idolatría y la representación", conferencia abierta al público impartida por Ignacio López Moreno, profesor y artista plástico.

11- 25 de marzo, ESP. 5, CENDEAC: Exposición “Six Heads” de Bill Viola. Abierto al público.

Miércoles, 21 de septiembre: Exposición de los resultados de “Arte y Cultura como Terapia contra el Alzheimer: emociones en silencio” y la presentación del libro Emociones en Silencio en colaboración con Bill Viola.
 

+ información en:

http://www.billviola.com

http://www.billviola.com/interviews.htm (Entrevistas)

http://emocionesensilencio.blogspot.com/

http://www.arteyculturacomoterapia.blogspot.com/

Organiza: Hospital Virgen de la Arrixaca de Murcia (Unidad de Demencias)

Coordina: Halldóra Arnardóttir

Colaboran:  CENDEACCentro Párraga y la Escuela de Arte Dramático de Murcia.

ENTREVISTAS

Entrevista en Onda Regional a Halldóra Arnardóttir, coordinadora, y Javier Fuentes, director del CENDEAC. 

https://www.orm.es/programas/el-escaparate/el-escaparate-entrevista-cendeac-emociones-en-silencio/ 

Entrevista en Onda Regional a Halldóra Arnardóttir

https://www.orm.es/programas/espacios/espacios-halldora-arnardottir/



TALLER

 

 

 

 

DOCUMENTAL

Crónicas - El naufragio de la memoria

El cerebro de una persona afectada por la enfermedad de Alzhéimer se activa y es capaz de recuperar recuerdos perdidos si se potencian las emociones. En ello trabaja el equipo de la Unidad de Demencias del Hospital Virgen de la Arrixaca de Murcia que a través del arte y las actividades sociales y culturales consigue retrasar la evolución de la enfermedad.Se trata de prolongar la conexión entre neuronas para mantener a salvo la memoria más tiempo. El alzhéimer borra la memoria. Lo último que se ha aprendido es lo primero que se olvida y así hacia atrás hasta el nacimiento. Se sabe que las emociones permanecen intactas casi hasta el final y trabajándolas la enfermedad no evoluciona tan rápido.

Un equipo de Crónicas convivió durante una semana con el equipo de la Unidad de Demencias del Hospital Virgen de la Arrixaca de Murcia, donde desarrollan este novedoso programa denominado 'Arte y Cultura como Terapia'.

Enlace directo al documental_ http://rtve.es/v/1537906 

 

       
                                            El naufragio de la memoria
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EMOCIONES EN SILENCIO: ARTE Y CULTURA COMO TERAPIA CONTRA EL ALZHEIMER. Presentación del libro / Inauguración de la exposiciónurn:uuid:ae431e0f-6bff-5a88-97fe-6693e4fb2f362018-07-09T08:19:53ZNoticias - Publicaciones Presentación del libro: EMOCIONES EN SILENCIO. Arte y Cultura como Terapia contra el Alzheimer.

21 de septiembre, ESPACIO 0, 19h30, CENDEAC

El libro incluye imágenes y textos científicos de la actividad, sus procesos y conclusiones. Su papel en esta iniciativa es fijar la memoria de los participantes de las actividades realizadas y ser una herramienta para el equipo médico en su labor de dar a conocer este tipo de investigación donde la emoción ha sido un elemento principal.

Autores de artículos: Carmen Antúnez Almagro, Halldóra Arnardóttir, John Walsh, Henriëtte Brouwers, Javier Fuentes Feo, María Martirio Antequera Torres, Begoña Martínez Herrada y Blanca García Torres, Laura Vivancos Moreau y María Sánchez Ortíz.

Editores: Carmen Antúnez Almagro y Halldóra Arnardóttir.

Ediciones Tres Fronteras

 

Exposición. Espacio 5, CENDEAC, del 21 de septiembre al 2 de octubre. Inauguración: 21 de septiembre. Horario: de 10 a 20h.

Seis grabaciones de vídeo de las emociones: Alegría, Ira, Asombro, Miedo, Tristeza, y el estado de Dormir/Soñar, EN SILENCIO y A CÁMARA LENTA. Son expresiones presentadas por seis personas participantes que padecen la Enfermedad de Alzheimer.

Procedente de la exposición “Las Pasiones” de Bill Viola, la obra Six Heads es el arranque de “Emociones en Silencio”, con la finalidad de llegar al espacio interior de los participantes. Six Heads es un vídeo de la expresión de una persona al experimentar la transición entre diversos estados emocionales. A veces su mirada se dirige a un punto que queda fuera del marco, una idea de los artistas del siglo XVII que fascinó a Viola.

Esta forma de mirar y comunicar las emociones a cámara lenta, en silencio y con las miradas a veces fuera del marco, ha sido el modelo a seguir en el trabajo final del taller: un viaje por las emociones realizada por nuestros participantes.

 

Emociones en Silencio, con la colaboración con el video artista americano Bill Viola, forma parte de la serie Arte y Cultura como Terapia contra el Alzheimer, una innovadora investigación de tratamiento no farmacológico realizada por la Unidad de Demencias del Hospital Virgen de la Arrixaca de Murcia. Está dirigida por Carmen Antúnez Almagro, directora de la Unidad de Demencias, y coordinada por Halldóra Arnardóttir, doctora en Historia del Arte.

 

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Jimmie Durham en conversaciónurn:uuid:47bc4a03-edd2-537e-877c-b5283cb9b5f02018-07-06T08:36:15ZNoticias Conversaciones PAC. Hoy Jimmie Durham

Viernes, 22 de enero. 18.30

 Esp.  3, 1ª planta. CENDEAC

 

 

 

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DIONISIO CAÑAS. 1812-2012 Una mirada contemporánea. Intervenciones artísticasurn:uuid:86df2854-fe6c-568f-93ed-9344e8ed7bb82018-07-06T08:08:57ZTaller

EL GRAN POEMA DE NADIE. DIONISIO CAÑAS

Lunes 28 y martes 29 de noviembre, 18h30 - 21h30, CENDEAC

El Gran Poema de Nadie consiste en una acción poética-taller cuyo resultado material es un texto colectivo en forma de gran banderola que se puede colgar en un espacio público. Durante su elaboración se produce una interacción social entre los participantes y la gente de la calle, entre los mismos actuantes, entre el lenguaje escrito e inscrito en el escenario urbano y el habla. Esta dimensión social es tan relevante como el carácter literario de la acción poética y su relación con la imagen (imágenes encontradas que también se adhieren al texto), así como con la documentación fotográfica y de vídeo que se realiza paralelamente. Se trata, pues, de un proceso vivo que no se reduce a la producción de un texto; este, en sí, permanece abierto constantemente a lecturas y formas de verlo muy variadas e inagotables. En suma, se trata de una “obra” orgánica abierta cuyo carácter lingüístico es también un detonador visual y un incitador para la comunicación oral. El carácter anónimo y efímero de El Gran Poema de Nadie es intrínseco a su finalidad: hacer que los participantes no se sientan poetas individuales sino poetas momentáneos, parte de un colectivo efímero, por lo menos durante la realización del poema, y, consecuentemente, lo más importante no es el texto que se realiza y su conservación posterior, sino que lo esencial es el proceso de su realización y la interacción social que se produce.

Desarrollo del taller:

Lunes, 28 de noviembre. 18h30 - 21h30

INTRODUCCIÓN al taller y coloquio con los participantes en el que se contextualizará la experiencia de Egipto dentro del marco de las nuevas libertades adquiridas durante la revolución egipcia y el papel que jugará la minoría cristiana copta en la nueva constitución egipcia (ver paralelismos con la constitución de 1812 y la actual española) y la situación de las minorías islámicas en Murcia (1 hora).

SALIDA A RECOGER LAS PALABRAS en el barrio colindante y otras zonas de la ciudad (2 horas).

Martes, 29 de noviembre. 18h30 - 21h30

Composición del poema colectivo. Colgar el poema-banderola.

En este taller pueden participar hasta 15 personas de cualquier edad sin conocimientos previos de poesía. Sería recomendable que algunos de los/las participantes pertenecieran a la comunidad islámica de Murcia.

    

 

Dionisio Cañas

Vivió en Francia nueve años y residió en Nueva York desde finales de 1972 hasta 2005, ahora vive en La Mancha. Fue profesor en la Universidad de Yale y catedrático de la Universidad de Nueva York. Poeta-artista y crítico de literatura y arte, perteneció al colectivo Estrujenbank, creado en Nueva York en 1986, donde realizó sus primeros performances y acciones. Su acción-taller participativo El Gran Poema de Nadie ha sido realizado anteriormente en Cuenca (Facultad de BB AA), Madrid (La Casa Encendida), Barcelona (Festival Internacional de Poesía), Universidad de Salamanca (Facultad de Filosofía), Toulouse (Théâtre National de Toulouse), Nueva York (CUNY, The Bronx), San Sebastián (Koldo Mitxelena), Rabat (Instituto Cervantes y Fondation Orient-Occident).

Sus más recientes colaboraciones han sido, entre otros, con los artistas Francis Naranjo en los vídeos…agosto 2007…, Whiteout y Smile y en el poema instalativo Les Saisons, Iván Pérez y Juan Ugalde en el vídeo y exposición La Mancha Revolution (Valencia, 2008), y Montserrat Soto en la videoinstalación Lugar de Silencios (Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona, 2007).

http://www.dionisioc.com/

 

En la etapa de Murcia de este proyecto se realizará un taller con los usuarios del CENDEAC y los habitantes del barrio colindante al centro. El resultado del taller será una banderola de El Gran Poema de Nadie que se colgará en la fachada del CENDEAC. Esta experiencia será registrada en vídeo y podrá verse en el cetro junto a la primera fase del proyecto realizada en El Cairo (Ciudad de la basura, barrio cristiano copto) enmarcada en la trayectoria del trabajo de Dionisio Cañas desde el año 2002 con El Gran Poema de Nadie en diferentes partes de España y del resto del mundo.

La primera fase del proyecto se realizó en colaboración con UBIQA (Bilbao, www.ubiqa.com), equipo con experiencia en la concepción, diseño y producción audiovisual e interactiva, en la gestión de medios de comunicación y en el diseño de metodologías de producción innovadoras y participativas, y con Laila Iskandar Kamel, directora de CID (Consulting Community Development). En esta etapa se ha formado a los participantes del taller para capacitarles en la utilización del móvil como una herramienta de registro documental, así como estructurar los grupos y las jornadas de grabación en torno al taller.

 

 

Con ocasión del bicentenario de la Constitución de Cádiz, conocida como ‘La Pepa’, Acción Cultural Española (AC/E) produce el proyecto 1812_2012. Una mirada contemporánea. Un conjunto de propuestas en distintos ámbitos como el arte, la ilustración, la música contemporánea y popular o el audiovisual, que se desarrollarán en diversas ciudades españolas desde los primeros días del próximo diciembre hasta marzo de 2012. El comisario del proyecto, Jorge Díez, lo ha planteado como una mirada crítica desde las prácticas artísticas contemporáneas sobre los conceptos de ciudadanía, libertades políticas y participación en el contexto de las revoluciones árabes o del propio 15-M en España.

Comisariado: Jorge Díez. Asistencia al comisariado: Alba Fernández. Coordinación AC/E: Marisa Garcia.

Coorganizado con Acción Cultural Española. www.accioncultural.es

   

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Seminario: Cuerpo y régimen político, en performance. 3º encuentrourn:uuid:ee26ca66-7ec1-5c24-9319-1043136a2d762018-07-06T07:46:51ZEncuentro  

26, 27 y 28 de octubre de 2017. Todas las jornadas comenzarán a las 18:30h 

CENDEAC

 

 

Seminario sobre usos del cuerpo en los lenguajes artísticos e interrogación de lo que articula ética, estética y mercantilización en estas producciones. 

 

Sesión 1:

 

A partir de Gordon Matta- Clark y Bruce Nauman 

Día: 26 octubre. 18:30h

Conferenciantes: Darío Corbeira y Pablo Posada.

En esta sesión se abordará el trabajo de dos artistas norteamericanos, Gordon Matta- Clark (1943/ 1978) y Bruce Nauman (1941), en su relación con lo performativo y la experiencia del cuerpo y con el cuerpo. Se trata de mundos, obras y posiciones artísticas tan cercanas en el tiempo como alejadas en sus proyectos conceptuales, ideológicos y estéticos. En ambos casos, sin embargo, se dan actitudes y posicionamientos radicalmente fuera de los cánones que hoy dominan el mundo del Performance. Ninguno de ellos es un performer, son otra cosa, probablemente dos artistas que cierran ciclos y puertas, que abren vías creativas de difícil, por no decir imposible, circulación.

 

A contracuerpo. Bruce Nauman y la fenomenología.

Pablo Posada

Quisiéramos presentar algunos aspectos de la obra de Bruce Nauman y mostrar su original relación con la fenomenología, filosofía que ha atravesado todo el siglo XX y sigue, a día de hoy, gozando de vigencia y vigor. Bruce Nauman (Fort Wayne, Indiana, 1941) atraviesa y combina varias prácticas artísticas: desde la performance, y el vídeo, a la escultura y la instalación. Todas ellas ofrecen una determinada revelación al precio de una cierta agresión al espectador. En la obra de Nauman abundan los recorridos laberínticos, claustrofóbicos, las situaciones de vigilancia y de sobrecarga sensorial, las cacofonías, las repeticiones, los contratiempos arrítmicos, los espacios inhóspitos, con formas e iluminaciones profundamente disfuncionales. Instalaciones que el espectador se ve abocado a asumir, a encajar, quiéralo o no, a contracuerpo.

Pero ¿qué relación guarda todo ello con la fenomenología? Si la fenomenología busca revelar las estructuras básicas – limítrofes – de la experiencia mediante suspensión y variación eidética, Nauman obra, con sus instalaciones, un tipo de epojé y variación sui generis que procede a toda una serie de desplazamientos, diferimientos y hetero-localizaciones. Las instalaciones, aun tomando un camino distinto al estrictamente fenomenológico, constituyen potentes dispositivos de revelación de los límites y estructuras del humano vivir. Apostamos pues por interpretar la obra de Nauman desde su íntima relación – más o menos consciente, fructífera en todo caso – con la fenomenología. Lo hacemos en la prolongación de otros proyectos acometidos por Brumaria que se han hecho eco de la perspectiva fenomenológica y le han dado voz en sus colecciones. Nos referimos, señaladamente, a la obra, imponente, de Marc Richir, de quien Brumaria ha publicado dos importantes obras (La contingencia del déspota, 2014. El cuerpo, 2015). Insistiremos en la relevancia de la distinción fenomenológica entre cuerpo vivo (Leib) y cuerpo objetivo (Körper). Como veremos, en torno a esta distinción y sus múltiples declinaciones, exacerbadas en la obra de Bruce Nauman, se juegan temáticas esenciales al arte e incluso a la política.

 

 

Con el cuerpo. Gordon Matta- Clark.

Darío Corbeira.

Con mucha probabilidad Matta-Clark es, de los nacidos a partir de la Segunda Guerra Mundial, el artista mas expuesto y estudiado, sobre todo a partir de los años noventa del pasado siglo. En el enorme material bibliográfico dedicado a su trabajo es difícil encontrar estudios específicamente dedicados a su actividad como performer, a pesar de los intentos de quien fuera su compañera, Jane Crawford, por conformar un estudio riguroso que aborde el trabajo del artista como médium performativo. Ocurre que ella misma sabe que, antes que nada, Matta- Clark fue un activista, una persona totalmente entregada a una continuidad de actividades no institucionales que bebían de la contracultura, el hippysmo, el cine mudo… e intentaban, no imaginar, sino construir un mundo sobre las ruinas que las revueltas del año 68 habían sacado a la luz. 

Su, en términos de tiempo, corta e intensa obra pivotaba sobre ejes temáticos (espacio, tiempo, arquitectura, política, vida cotidiana) que sin pretenderlo constituían y constituyen hoy uno de los discursos más sólidos del arte del Siglo XX. 

Gordon Matta- Clark era antes que nada su propio cuerpo, su propio vehículo, su propio medio. El Cuerpo mattaclrakiano no es el lugar para representar nada, para teatralizar o dramatizar nada, para comunicar nada… es una unidad física que pone en juego y desarrolla acciones variopintas, sin trampas ni cartón. Un mundo de acción y actividad permanente que trabaja en realidad, con realidad sobre la propia realidad; el cuerpo menudo y fuerte del artista trabaja hasta los límites imaginables no para representar o escenificar sino para ejecutar y construir actos del día a día que ponen al descubierto las débiles costuras de la sociedad posindustrial, sus instituciones y sus intereses más perversos y ocultos.  

Aquí entenderemos a Matta-Clark no como un artista que performatea, representa o escenifica, no como un artista visual al uso, sino que lo entenderemos como el portador de un cuerpo en acción que trabaja materializando ideas, esto es, un Obrero, un proletario de la cultura que materializa los procesos de ideación y las ideas de un momento histórico en tránsito. 

 

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Sesión 2

La performatividad y sus límites.

Día: Viernes  27 de octubre. 18:30h

Conferenciantes: Iñaki Estella y Sven Lütticken.

A lo largo de la historia, el performance art siempre ha estado ligado a la idea de transgresión que corporeizaba el impulso radical cobijado tras las vanguardias. Las contradicciones y paradojas que genera la masiva aceptación del performance producen un cuestionamiento de esas ideas  fundamentales. Pero más allá de ello, generan un vínculo con nuestra comprensión de la historia en donde la voracidad y la necesidad de superponer discursos que se convierten en dominantes al instante, es proporcional a la necesidad de relatos que encarnen la historia tal cual se produjo. En esta sesión abordamos los límites de la performances con la intención de ver la amenazas se agazapan tras ella.

 

El performance en la historia del arte español contemporáneo.

Iñaki Estella

Caracterizada por constantes bandazos, la historia del arte español contemporáneo se ha convertido en un ámbito de reflexión en el que mejor quedan representadas las inercias culturales dominantes. Es por ello que este área de conocimiento se puede entender como un espacio especialmente fructífero para ver cómo se ha asentado la “euforia performativa” que parece haberse adueñado de gran parte campo artístico. Durante mucho tiempo, el espacio intelectual español ha se ha abonado para que las prácticas performativas se conviertan en la última esperanza de un campo artístico que languidece por la desidia de quienes encuentran entre su agenda la promoción artística. La bienvenida acrítica parece más bien un “todo vale” que habíamos olvidad con la postmodernidad. 

Esta presentación aborda el papel que ha tenido la performance en el relato historiográfico contemporáneo en España. Pretende analizar los antecedentes historiográficos producidos en el contexto internacional y ver cómo estos han sido replicados en la historia del arte reciente en España. Con ello se pretende poner en cuestión el pretendido carácter de avanzada del medio y así ver cómo éste también puede presentar otros vectores vinculados con las líneas dominantes que caracterizan a la contemporaneidad.

 

Estudio gestural.

Sven Lütticken

La revolución industrial estuvo acompañada del desarrollo del habitus burgués que redujo ciertas formas de subjetividad. Estudiosos desde Richard Sennett a Giorgio Agamben se han oocupado de la atrofia del gesto en la edad contemporánea. Los gestos parecen acabar convirtiéndose en excedentes, pero en esta ocasión no se trata de un plus valor generado en el capitalismo industrial  dependiente de la fuerza del trabajo expresado a través del tiempo de trabajo abstracto, sino que constituyen un excedente semiótico del que el Fordismo ha encontrado dificultades para sacar provecho. Los gestos son efectivos tan sólo en al medida en el que son afectivos; su valor de signo tan sólo puede ser transmutado en valor de cambio porque están infra-y sobre codificados. Resisten la cuantificación a pesar de que invitan al a codificación; de cualquier modo, yerran una vez que se han convertido en visibles como pura convención. La monetarización  del gesto en el capitalismo post-fordista- a través de las patentes y del seguimiento de movimiento- plantea la cuestión de si los gestos pueden aún constituir una fuente de resistencia.

 

La conferencia se realizará en inglés.

 

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Sesión 3:

 

Cuerpo y Régimen político, en Performance. Clausura: Mesa de trabajo.

28 de octubre. 18:30h

Javier Codesal, Iñaki Estella,  Darío Corbeira y Montserrat 

El sábado 28 de octubre clausuramos Cuerpo y régimen político, en Performance, seminario de Brumaria - Cendeac. Convocamos una mesa de trabajo en la que participarán Javier Codesal, Darío Corbeira, Iñaki Estella y Montserrat Rodríguez para debatir lo generado en las sesiones de trabajo que han constituido este seminario.

 

Javier Codesal y Montserrat Rodríguez han continuado con las conversaciones iniciadas en la sede del Cendeac con La Ribot y con Dora García, dando lugar a una diálogo escrito en torno a las cuestiones que se plantearon en un primer tiempo del trabajo dirigido a pensar los usos del cuerpo en el pensamiento artístico y las articulaciones éticas y estéticas de estos modos del lenguaje, pensadas con los discursos estético y psicoanalítico.    

 

Estos textos junto a la documentación generada por Darío Corbeira, Iñaki Estella, Sven Lütticken y Pablo Posada Varela, aportarán los contenidos del debate para el encuentro propuesto y constituirán la publicación recogerá este trabajo. 

 

 

 

 

 

 

 

 

Biografías 

Darío Corbeira, estudió Sociología y Arquitectura Técnica en Madrid. Artista autodidacta, comenzó su carrera a mediados de los años setenta. Su obra de carácter conceptual se vehicula a través de diferentes medios y soportes. Ha expuesto sus trabajos en España y el extranjero. En los años 80 fue técnico urbanista en el Ayuntamiento de Madrid. Ha sido profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca entre  1992 y 2013, así como de otros centros públicos y universidades privadas. Autor del libro “Construir ... o deconstruir” una selección de textos sobre la obra de Gordon Matta-Clark. Ha sido autor y comisario de “Comer o no Comer”, un proyecto expositivo, cinematográfico y editorial sobre las relaciones entre comida y hambre a través del arte del siglo XX.Publica ensayos críticos en periódicos y revistas especializadas y ha sido conferenciante en diversas universidades de España. EE. UU, Canadá y Alemania. Su última exposición “Permanecer mudo o mentir” puede visitarse en el MUSAC de León asta el 8 de enero de 2016. Es editor / director de Brumaria, un proyecto y una plataforma dedicado al estudio de las relaciones entre arte, estética, política y psicoanálisis. Vive y trabaja entre Madrid y Torrelodones. 

 

Pablo Posada Varela, se licencia en filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, realiza un doctorado sobre la fenomenología de Husserl entre las universidad es de París – La Sorbona y la Universidad de Wuppertal en Alemania. El tema de interés del autor se centra en el acto de la reducción en la fenomenología de Husserl y en la comprensión de lo que pueda significar la concreción fenomenológica. Para ello moviliza los resultados de la mereología husserliana o teoría de los todos y las partes, tratando de revelar la lógica operativa en el acto de la reducción fenomenológica.  Ha realizado varias estancias en el extranjero, fundamentalmente en Colonia, Friburgo, Lovaina y París. Es Miembro Asociado del Círculo Latinoamericano de Fenomenología, de la Sociedad Española de Fenomenología y de la Asociación para la promoción de la fenomenología (que se ocupa de la publicación de la revista Annales de Phénoménologie). Sus temas de interés, siempre desde una perspectiva fenomenológica, van desde la lógica a la política y a la estética. Autor de varios artículos accesibles en academia.edu (https://paris-sorbonne.academia.edu/PabloPosadaVarela ) y de dos libros en proceso de publicación (A contracuerpo. Nauman y la fenomenología. Madrid. Brumaria, y Phénoménologie de la frontière. L'Harmattan. Paris), ha traducido también numerosos textos de fenomenología contemporánea (de Richir fundamentalmente, del que ha sido discípulo directo) del francés al español, así como algunos clásicos de la filosofía y fenomenología españolas (Ortega y Gasset, Gaos, A. Machado) del español al francés. Colaborador de Brumaria, ha participado en el proyecto El arte no es la política, la política no es el arte y ha contribuido a la edición de "La contingencia del déspota" de Marc Richir, asesorando en la traducción y acompañando el volumen con una extensa introducción a la obra del autor. 

 

Iñaki Estella es doctor en Historia y Teoría del arte por la UNiversidad Carlos III de Madrid. Su tesis versó sobre el artista de origen lituano George Maciunas. Entre sus publicaciones destacan “Fluxus” (Nerea, 2012), así como la co edición de “Llámalo performance: historia, disciplina y recepción” y los cuatro primeros volúmenes de “Desacuerdos: Sobre arte política y esfera pública en el Estado Español” (MACBA, 2004-2007). Sus artículos han aparecido en revistas como Ars Longa, Arte, individuo y sociedad o Tropelías. También ha comisariado exposiciones en La casa ENcendida y en el Museo Reina Sofía. Ha sido profesor en la Universidad Carlos III, investigador Fulbright en el Departamento de historia del Arte  la Universidad de Columbia e investigador Alianza 4 Universidades y Juan de la Cierva en la Universidad Autónoma de Madrid. En la actualidad se encuentra desarrollando una investigación sobre la historia del arte en España como disciplina académica así como en la historiografía.

 

Sven Lütticken es profesor de historia del arte de la Universidad Libre de Ámsterdam. Su trayectoria se caracteriza por realizar un profundo cuestionamiento del arte contemporáneo, especialmente de los vectores tradicionalmente vinculados a su contenido utópico. Publica habitualmente en revistas como Texte fur Kunst, e-flux journal, Grey Room y Afterall. Destacamos sus recientes publicaciones en la New Left Review donde se ha centrado en el cuestionamiento del performance art como práctica contemporánea. De entre sus libros destacan: Secret Publicity: Essays on Contemporary Art (2006), donde realiza un análisis de la publicidad y de las asociaciones secretas en la vanguardia, Idols of the Market: Modern Iconoclasm and the Fundamentalist Spectacle (2009), donde abordaba el uso de las imágenes en la iconoclastia religiosa contemporánea, History in Motion: Time in the Age of the Moving Image (2013), donde aborda la producción de historia en una contemporaneidad performatividad mediática. Recientemente ha publicado Cultural Revolution: Aesthetic Practice after Autonomy (2017).

 

Javier Codesal es artista visual y poeta. Sus proyectos pueden incorporar vídeos, fotografías, dibujos o textos. Sus obras siguen varias líneas estrechamente relacionadas entre sí. Lo popular, la oralidad y el canto, así como ciertos elementos rituales, están presentes desde sus inicios en los años ochenta. También ha sido recurrente el tratamiento de lo corporal como lugar de la diferencia, asiento del goce y el erotismo, pero también de la fragilidad, la enfermedad y la muerte. Con lo anterior conecta un interés por el retrato audiovisual, poniendo en práctica modos de aproximación a la intimidad. La infancia, lo patrimonial y la transmisión cultural son otros temas de su interés. Y todo ello desde la perspectiva de ensayar las formas más despojadas del cine. 

El MUSAC mostró en 2015 una antología de su obra titulada “Ponte el cuerpo”; en 2014 inaguró el espacio del MACBA El Gran Vidre con la instalación “Los pies que faltan”; en 2009 La Virreina Centre de la Imatge le dedicó otra retrospectiva bajo el título "Dentro y fuera de nosotros"; y en 1999 expuso en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía. Su obra ha sido mostrada en numerosos espacios de arte nacionales e internacionales, festivales, programas de cine y vídeo, así como en diferentes galerías, siendo representado actualmente por la galería Casa sin fin.

Ha publicado los libros de poesía Imagen de Caín (Icaria, 2002), Ha nacido Manuel (Icaria, 2005) y Feliz humo (Periférica, 2009), y el ensayo sobre su obra cinematográfica Dos películas (Periférica, 2010).

 

Montserrat Rodríguez Garzo psicoanalista y Licenciada en Geografía e Historia y Diplomada en Archivos y Documentación. Ejerce la clínica en Barcelona. Desde 1998 estudia  las aplicaciones del psicoanálisis en el ámbito psicosocial y la mecánica de la creación de lenguaje en las psicosis y en los hechos artísticos (MACBA - Forum Salut Mental, 2002-2013). Actualmente investiga la consistencia del lenguaje en sujetos que desencadenan patologías psicosomáticas y en las escrituras artísticas (Diputación Provincial de Huesca – Universidad Menendez Pelayo). 

 

Imparte regularmente seminarios, cursos y conferencias sobre teoría psicoanalítica y sobre arte y estética. Ha publicado Estados de dolor (2012); Esquizofrenias y otros hechos de lenguaje. De la clínica analítica del Macba (2002-2013); 8 cos enganxat. Alex Francés (2013); Los nombres del padre. En torno a Pepe Espaliú (2015); Prova, Javier Codesal (2015), Ponte al cuerpo. Acuerpamientos en la obra de Javier Codesal (2016), Permanecer mudo o mentir. Darío Corbeira (2017) y otros ensayos sobre teoría y clínica psicoanalítica en revistas especializadas. Es miembro de Brumaria.

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Osiris Arias: Mil veces Daniel. Gestos compartidos en redes socialesurn:uuid:da52a59a-ea14-5f83-a6a5-4f650b97140f2018-06-29T12:13:01ZConferencias Hace 7 meses murió Daniel Davis, mi primo. Su muerte fue repentina y sin alertas. Cuando el resto de su familia despertó, él ya estaba muerto. Entre todas sus pertenencias había, por supuesto, fotografías familiares. Como fotografías, no podemos hablar mucho de ellas; retratos, fotografía de viajes, lo mismo que cualquier persona podría fotografiar con una cámara digital. Sin embargo, esta misma falta de estilo es la que me atrajo y motivó  esta pregunta: ¿qué parentescos visuales y temáticos existen entre las fotografías de Daniel y otros miles de usuarios; qué coincidencias visuales y formales se evidencian al comparar las fotografías de múltiples usuarios?¿Qué tenemos en común todas las personas que hemos tomado una fotografía? Pensemos en un día en la playa, una carne asada; cualquier cosa. Ya todo ha sido registrado para recordarse, y más aún: para almacenarse en internet. Todos los eventos que nos unen como humanos ya están en alguna cámara o en Google ¿entonces qué podemos hacer los artistas? Mi trabajo intenta responder esta pregunta, por medio de la investigación de un lenguaje post- fotográfico, que le de uso y cuestione el valor de aquellas imágenes de internet que forman parte de una memoria, un tiempo y una  historia pública. Ya todo está fotografiado; todo lo que nos  interesa está disponible. El siguiente paso es darle un uso, problematizar la existencia de esas imágenes.

Con base en internet como laboratorio, quiero mostrar la existencia de una condición actual de la mirada, misma condición que se muestra en su mayor sentido en las redes sociales. ¿Cuántas fotografías son cargadas cada hora? La cifra se reduce si partimos de una hipótesis: existen fórmulas -a nivel temático/emocional- y fórmulas de representación objetiva (cómo posamos para una fotografía, qué elementos fotografíamos). Estas fórmulas o códigos están grabados en una especie de inconsciente escópico, al que, valdría la pena llamar insconsciente fotográfico 2.0.

Este proyecto problematiza esas distancias no siempre visibles  y las aprovecha para dar sentido a la memoria de un Daniel Davis, para también observar el comportamiento fotográfico de un grupo de personas unidas por redes virtuales pero, a la vez, reales.

 

“Miles de veces Daniel”  es un proyecto que, por medio de la apropiación fotográfica, reúne imágenes del álbum familiar de una persona, con fotografías apropiadas de internet pertenecientes a diversos usuarios de redes sociales. La unión de estas dos fuentes, es un personaje cuya historia ha sido remplazada por una memoria híbrida. Debido a las semejanzas entre unos archivos y  otros, y a un montaje visual que configura las relaciones formales, la realidad se vuelve casi irreconocible, poniendo en conflicto los usos del archivo como práctica de la memoria y la historia. En esta misma línea, agrupar miles de imágenes me permite “detonar” las relaciones formales entre ellas, lo cual muestra la existencia de un inconsciente fotográfico.

Este proyecto toma como punto de partida fotografías de cuatro momentos de la vida de Daniel Davis (infancia, adolescencia, edad adulta, muerte) para buscar imágenes en internet que se les parezcan en  cuanto  a  personajes,  escenarios  y  situaciones. Es  como  si hubiera algo de Daniel en el imaginario y memoria visual de otra persona; como si su fantasma se hiciera presente en un gesto, un detalle que sobrevive en un inconsciente fotográfico que se expande en el mundo digital.

 

 

Osiris Arias  (Cuernavaca, Morelos, 1990) 
 

Artista y académico. Con base en una metodología historiográfica y estrategias de creación como la cita y la apropiación, explora cómo se construye la memoria y los mecanismos discursivos que la validan dentro de una narrativa específica. 

Estudió la licenciatura y maestría en artes plásticas en la Universidad Autónoma de Baja California (UABC) y en la Universidad de Brasilia. En el año 2015 realizó una estancia de investigación en la Universidad de Barcelona, con Dra. Anna María Guasch. Desde el año 2012 ha sido profesor en la Facultad de Artes de la UABC. Actualmente cursa el primer año del Doctorado Arte: producción e investigación, en la Universidad Politécnica de Valencia

Ha participado en exposiciones como: X Bienal de Fotografía de Baja California, XVIII Encuentro Nacional de Arte Joven; VII Bienal Nacional de Yucatán; Antropodarcy; V Bienal Nacional Miradas; 8 Bienal Plástica de Sonora; XIX Bienal plástica de Baja California; Bienal Nacional de Arte y Diseño ENAP/UNAM; Yo contenido. Catálogo de artistas jóvenes Mexicanos; y diversas exposiciones colectivas e individuales en México. Ha sido becario del PECDA en la disciplina de fotografía. 

Como académico, ha presentado ponencias en la Universidad de Chile, Universidad Autónoma de México, Universidad Autónoma de Hidalgo y la Universidad Autónoma de Baja California

 

A las 19:30 en la sala de la biblioteca. Entrada libre.

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Desplazamientos. Arte latinoamericano en España. Centralidad y periferiaurn:uuid:cb2964df-2365-5a24-8799-ba09800dc52e2018-06-29T12:06:55ZConferencias 2ª Sesión. Ultramar sur. Patrick Hamilton

El trabajo de Patrick Hamilton desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura e historia en el Chile de los últimos 50 años; en particular en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80 y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. Sus preocupaciones van desde el estudio de ciertos fenómenos urbanos de desarrollo y especulación así como al trabajo con ciertos mitos históricos vinculados al Chile de las últimas décadas.

Utiliza la intervención y manipulación de objetos cotidianos como herramientas de trabajo manual, que se utilizan en la construcción, elementos vinculados a la arquitectura y a la publicidad. ULTRAMAR SUR, su conferencia dentro del ciclo DESPLAZAMIENTOS, consistirá en una introducción a su trabajo y en particular a dos proyectos sobre los "mitos del oro nazi" que nos permitirán profundizar en los conceptos que dichos proyectos problematizan, como es el de historia a través de la dicotomía documento/ficción y el concepto de inmigración (alemana en este caso).

La conferencia será presentada y contará con una introducción a cargo de Miguel Ángel Hernández

 

 

 

Patrick Hamilton vive y trabaja en Madrid. Es Licenciado en Artes por la Universidad de Chile. En 2007 recibió la Beca Guggenheim, otorgada por la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, New York. En el año 2006 realizó una residencia en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) de New York.

Su trabajo ha sido exhibido en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero. Su más reciente exposición individual “Black Tools” se exhibió en The 9,99 en Ciudad de Guatemala. Sus exhibiciones incluyen: “Space to Dream: Recent Art from South America”, Auckland Art Gallery, Auckland, New Zeland (2016); “Progreso”, individual, Galería Marta Cervera, Madrid, España (2015);  “Beleza?”, Centro Cultural Sao Paulo (2015); “Proyecto Lanz”, individual, FLORA Ars+Natura, Bogotá, Colombia (2014); “Beyond the supersquare”, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA (2014); “Slow Future”, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Polonia (2014); “Progreso”, individual, Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Santiago (2013); “Dirupted Nature”, Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA (2013); Pabellón de la Urgencia, Bienal de Venecia, Italia (2013), “Ultramar Sur”, individual, Paco das Artes, Sao Paulo, Brasil (2012); “Now: works from The Jumex collection”, Centro Cultural Cabaña, Guadalajara, México (2011); Dublin Contemporary, Dublin, Irlanda (2011), “Máxima tensión”, individual, Galería Baro, Sao Paulo, Brasil (2011), Bienal de Curitiba, Brasil (2011 y 2007), Bienal de Arte y Arquitectura de Canarias, España (2009), Bienal de La Habana, Cuba (2009 y 2003), Bienal de Praga, Rep. Checa (2005), Bienal de Sao Paulo, Brasil (2004), Bienal do Mercosur, Porto Alegre (1999), entre otras. 

 

Su trabajo está presente en colecciones públicas y privadas, entre ellas, La Colección Júmex, México DF, The Space Collection, Irvine, CA, USA, El Museo del Barrio de Nueva York, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago y el Museo DKM de Duisburg en Alemania, Museo de Arte Contemporáneo do Centro Dragao do Mar, Fortaleza, entre otras.

 

A las 19:30 en CENDEAC, biblioteca. Entrada libre hasta completar el aforo

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FULL FRAMES_ Álvaro Laizurn:uuid:efb2aca4-0bbc-56a9-82a6-842515137ccc2018-06-12T07:54:28Z FULL FRAME _21 de junio de 2018 / 19:30h / Cendeac / Espacio2

Álvaro Laiz en conversación con Pascual Martínez. 

 

Más información sobre la actividad aquí

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Fátima Ruiz+Gómez Selva_ PANORAMA1urn:uuid:8799e2cc-3f3b-5b03-8809-a421e2c7c3e42018-06-05T10:29:29Z

 

12 de junio 2018 / 19.30 / Cendeac / Espacio 2 

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo            

 

Fátima Ruiz y Gómez Selva dos de los ocho ganadores y ganadoras de PANORAMA 1 charlaran en CENDEAC sobre sus trabajos seleccionados para este proyecto, su proceso de creación y sus experiencias en torno a la fotografía.

Modera: Gustavo Alemán

                                                       

Más información sobre la actividad aquí

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FULL FRAMES_ Bernardita Morellourn:uuid:2b9c7bf2-78b0-5566-9c6d-6d1e4e0da8d82018-05-30T13:52:13Z FULL FRAME _20 de septiembre de 2018 / 19:30h / Cendeac / Espacio2

Bernardita Morello  en conversación con Agus Bres. 

 

Más información sobre la actividad aquí

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FULL FRAMES_ Jonás Bel+Rafael Trapiellourn:uuid:a13fcae1-5804-5b7c-960c-1eea577f76c42018-05-30T13:15:39Z FULL FRAME _22 de noviembre de 2018 / 19:30h / Cendeac / Espacio2

Jonás Bel y Rafael Trapiello en conversación con Vincent Sáez. 

 

Más información sobre la actividad aquí

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Yayo Herrero_POST-ARCADIA2urn:uuid:3bf06eba-6166-5eb6-a63e-ad0c02cc07312018-05-18T12:32:53Z 23 de mayo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

 

   BIO                                                                           

Yayo Herrero

Antropóloga, Educadora Social e Ingeniera Técnica Agrícola; Directora General de FUHEM; profesora-colaboradora de la Cátedra Unesco de Educación Ambiental y Desarrollo Sostenible (UNED); socia fundadora de Garúa S. Coop. Mad;  Fue Coordinadora del CCEIM de la Fundación General Universidad Complutense de Madrid entre 2009 y 2012; coautora de más de una veintena de libros relacionados con la ecología social y de numerosos artículos; Fue Coordinadora Confederal de Ecologistas en Acción entre 2005 y 2014.

Fotografía de Clara Elías

 

 

   CONFERENCIA_   título y resumen                                                                                  

 ¿Qué cambia cuando el clima cambia? ¿Cómo puede relacionarse el arte con algo tan distribuido como el clima? ¿Somos los humanos autores del clima? ¿Cuáles son las estéticas posibles para el calentamiento global? ¿Y las deseables? ¿Cómo perciben y se posicionan las representaciones culturales ante el calentamiento global? ¿Es el arte un medio legítimo para discutir sobre cuestiones ambientales?

Título_  Miradas ecofeministas para revertir la guerra contra la vida

Resumen_ Estamos atravesando una profunda crisis de civilización que se plasma de formas mutiples: crisis ecológica, social, de cuidados, de legitimidad democrática…

Los causas estructurales de estas crisis tienen mucho que ver con las nociones básicas de individuo, producción, desarrollo o progreso.

La mirada ecofeminista realiza una deconstrucción crítica de estas categorías y propone miradas alternativas que sitúan el mantenimiento de la vida como prioridad.

 

 

Más información sobre la charla aquí

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FULL FRAMES_ Rita Puig Serraurn:uuid:c52254bd-05a9-5795-81bd-a4958b3ee1382018-05-18T08:16:32ZConferencias

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Conferencia de Anna Maria Guasch: El arte en la era de lo globalurn:uuid:d40a94e8-349c-5f2b-bb67-5044ca5404a62018-05-17T10:04:11ZConferencias Jornada

El arte en la era de lo global

 

Ponente:

Anna Maria Guasch

 

 

 

 

Programa

18’30 h. Conferencia: El arte en el mundo global. 

 

20’00h. Presentación-debate en torno al libro El arte en la era de lo global (1989-2015). La autora conversará con Miguel Ángel Hernández.


 

En esta jornada, la profesora Anna Maria Guasch presentará su investigación reciente sobre las transformaciones del arte en los últimos veinte años. Un período de flujos cambiantes y categorías mezcladas dominado por la capacidad creativa de la interacción y del diálogo, por una economía agónica que puso en entredicho el desarrollo sustentado en el crecimiento continuo, o por una pospolítica que generó, y está generando, utopías de no-fronteras al tiempo que provoca radicales procesos de carácter identitario y territorial. 

 

 

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Anna Maria Guasch es catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona y crítico de arte. Desde 1994 hasta la actualidad su investigación gira en torno al estudio de los procesos creativos del arte internacional de la segunda mitad del siglo XX. De sus publicaciones destacan El arte del siglo XX en sus exposiciones: 1945-1995 (1997), Los manifiestos del arte posmoderno. Textos de exposiciones 1980-1995 (2000), El arte último del siglo XX. Del posminimalismo a lo multicultural: 1968-1995 (2000), La crítica dialogada. Entrevistas sobre arte y pensamiento contemporáneo (2006), Oteiza. Escultura dinámica (2008) y Autobiografías visuales. Del archivo al índice (2009). Es coautora con Joseba Zulaika del libro Learning from the Bilbao Guggenheim (2005). Sus libros más recientes son Arte y Archivo 1920-2010. Genealogías, tipologías y discontinuidades (Akal, 2011) y El arte en la era de lo global (2016). 

 

 

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Matriculación: casiopea.um.es  

Información: antonia.martinez11@um.es

 

Precio de matrícula: 40 euros (INCLUYE CERTIFICADO DE ASISTENCIA Y EL LIBRO “EL ARTE EN LA ÉPOCA DE LO GLOBAL). 

 

La asistencia es libre hasta completar aforo. CENDEAC. Espacio 0

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Julieta Varela_ MIRADAS CERCANASurn:uuid:ba32bd47-94aa-50bc-bd60-44322f0196042018-05-07T07:45:49Z 14 de mayo 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo
 
 

     BIO                                              

Julieta Sol Varela Manograsso, Buenos Aires, Argentina, 1984.

Julieta Varela es Licenciada en Bellas Artes (Universidad de Murcia), Diplomada en Diseño (Escuela Superior de Diseño de Murcia) y Técnica Superior en Fotografía (Escuela de Arte de Murcia). 

Compagina su trabajo como diseñadora gráfica/web con
la reflexión fotográfica que no ha dejado de alimentar a través de la formación en talleres con fotógrafos reconocidos como Carlos Spottorno, Juan Valbuena, Eduardo Momeñe, David Salcedo o Matías Costa. En 2014 completó el Curso Anual de Desarrollo de Proyectos Fotográficos: Photo+, dirigido por Mónica Lozano y convocado por Cienojos en colaboración con el MUBAM. Actualmente cursa el Máster en Desarrollo de Proyectos Fotográficos Base, ofertado por Lens, Escuela de Artes Visuales. 

En 2017 ha sido merecedora de uno de los accésit que otorga Lens, Escuela de Artes Visuales y ha recibido el primer premio del certamen CreaMurcia en las categorías de Fotografía y ArtesVisuales. 

Actualmente su trabajo explora los límites difusos entre la ficción y lo histórico: utiliza el mito, la leyenda como base argumental y a través de la interpretación de la palabra en términos de narrativa visual construye imágenes de resonancia poética y misteriosa aludiendo a una realidad más allá del contenido objetivo de la misma.

 

    CONFERENCIA_ título y resumen                                                                                       

 

Título_ Entre la ficción y lo histórico 

Resumen_ La Encantada es un proyecto de recreación poética del imaginario asociado a “La Leyenda de La Encantada”, nombre genérico que hace referencia a un conjunto de tradiciones orales y leyendas narradas en numerosas localidades españolas.

A pesar de sus múltiples variantes, en esencia la leyenda narra la aparición de una joven peinando su larga cabellera con un peine de oro, en torno a la Noche de San Juan y en las cercanías de una cueva u otro paraje natural.

El proyecto fotográfico recupera la leyenda y actualiza el imaginario del mismo, otorgándole una nueva visión desde una perspectiva contemporánea y personal; mezclando deliberadamente ficción y historia, mito y autenticidad, fabulación y evidencia, utilizando para ello testimonios histórico-arqueológicos existentes en el territorio y elementos fantásticos del imaginario colectivo y el mío propio.

A lo largo de esta charla se comentarán las bases teóricas del proyecto y se mostrará el proceso de investigación y de elaboración del mismo. Asimismo, se compartirán modos de trabajo, procesos creativos, influencias, hallazgos y dificultades. 

Más información de la actividad aquí

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Quintina Valero+David Salcedo_ PANORAMA 1urn:uuid:691a0676-8608-5c18-b3a1-9153fb438b1b2018-05-02T11:44:01ZEncuentro 8 de mayo 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio 2                                                                     

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Quintina Valero y David Salcedo, dos de los ocho ganadores y ganadoras de PANORAMA charlaran en CENDEAC sobre sus trabajos seleccionados para este proyecto, su proceso de creación y sus experiencias en torno a la fotografía.

Modera: Gustavo Alemán

Más información de la actividad aquí


   QUINTINA VALERO                                                                                                                 

 

CHARLA

Vida después de Chernóbil, la radiación un enemigo invisible’

 

Presentación de mis comienzos en la fotografía y el fin de ella como herramienta para dar voz a temas sociales y derechos humanos. Un resumen abreviado de mi trabajo en los medios de prensa combinado con mis proyectos personales a largo plazo. Como surge el proyecto que presento ‘Vida después de Chernóbil’ como parte de una gran exposición europea llamada ‘Clouded Lands, Chernobyl 30 years later’ creada por mi colectivo Food of War (Comida de guerra).

 

Durante la charla hablaré del colectivo y nuestro fin de reflexionar sobre los conflictos, luchas sociales y su impacto en la comida y el medio ambiente a través del arte. Realización del proyecto, investigación, trabajo de campo, su financiación y colaboración con artistas internacionales. 

 

TRABAJO SELECCIONADO

Vida después de Chernóbil

En abril de 1986 la planta nuclear de Chernóbil sufrió el mayor de los desastres nucleares de la historia. Se estima que la cantidad de radiación y material tóxico fué 500 veces mayor a la sufrida por la bomba atómica de Hiroshima en 1945. 

Treinta y tres años después del accidente de Chernóbil la radiación continúa siendo el enemigo invisible de muchas familias ucranianas. En la región de Narodichi, a cincuenta kilómetros de la central nuclear, cinco años después del desastre comenzaron a detectarse las consecuencias en la población civil y en el medio ambiente. Hoy sabemos que fue una de las regiones más afectadas. 

Entre abril de 2015 y mayo de 2016 viajé a Ucrania para documentar las implicaciones del accidente visitando la zona de 30 km de exclusion de Chernóbil y personas afectadas por la radiación. El libro “Voces de Chernóbil” de la escritora y periodista bielorrusa Svetlana Alexievich me inspiró muchísimo con los testimonios de sobrevivientes del accidente. Comenzé a interesarme en zonas más remotas, como la de Narodichi, donde miles de personas viven en tierras altamente contaminadas. 

La evacuación de los pueblos y ciudades de Narodichi se decretó en 1991.  Se prohibió también el consumo de comida procedente del entorno, abocando al declive de una de las regiones más fértiles del país.  Muchas de las familias retornaron a sus tierras a pesar la prohibición dictada. 

Vida después de Chernóbil es el testimonio de la difícil vida a la que estas comunidades se enfrentan, bajo la venenosa herencia legada por el accidente de la central nuclear de Chernóbil en 1986.


   DAVID SALCEDO                                                                                                                     

 

CHARLA

Una suerte de magia sucede cuando se escribe, la levedad de las ideas se ve transmutada en la pesadez de lo físico. Nuestros pensamientos se convierten en certezas a ojos de otros, y no existe mayor miedo para quien habita en la duda. Cuando retrato pasa algo parecido, porque no fotografió yo retrato, pero la velocidad de las decisiones en la toma casi hacen desaparecer los temores de la indecisión. Así la intuición aflora y lo que pienso se retrata con facilidad y parece estar bien, como siempre las apariencias engañan. La fotografía convive en el mismo territorio del fracaso y cualquier elemento, que no sea  tenido en cuenta, está apunto de destruirla o convertirla en algo sublime. Por eso es necesario un profundo análisis técnico, estético, filosófico y espiritual de lo obtenido, todo ha de acompañar para que quien lo mire entre en el hechizo. La edición es tan importante como la toma, un autor se define decidiendo que tiene que ver con él y que no, con las respuestas se  presenta  ante el mundo. Para los que vivimos en la duda es el tramo más difícil de recorrer, mostrar ante todos quienes somos cuando la mayoría de las veces no lo sabemos. Por suerte el camino te hace aprender cuatro cosas de ti, para darte cuenta en el siguiente cruce que las has olvidado, obligándote a hacer otra vez el viaje para recordarlo. En mi caso siempre camino en círculos entre lo que me es cercano y el silencio.

Es así como está hecho Fuchina, un trabajo donde parece, en una primera impresión, que me alejo de mi voz. Y es que la estética utilizada intencionadamente, donde claros referentes son  Goya, Picasso, Cristóbal Hara y Ricardo Cases, está alejada de la que suelo usar. Pues la entiendo solo como una herramienta más del lenguaje que utilizo para encontrar mi forma de ver un lugar tan común como son las fiestas en España. Siendo estas solo un escenario y un murmullo de fondo para el silencio, que siempre intento encontrar.   

TRABAJO SELECCIONADO

Serie Fuchina

A comienzos de mayo, Fuchina se ve inundada por vecinos y forasteros, con los gerifaltes a la cabeza siempre dispuestos a dejarse ver. Al son de un sin fin bandas y charangas tocando marchas moras, la gente se deja llevar por la alegría. Momentos de abrazos, vino, caballos y flores, que ya la vida volverá a su curso. Desconozco sus ritos y celebraciones, pero me entrego a ellas. Las calles me llevan adonde la algarabía es solo un murmullo de la fiesta: Un mozo se apoya en una pared desconchada, una bandera cuelga en un balcón y alguien brinda al sol.  

(En proceso)

  

 

 

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Nerea Calvillo_POST-ARCADIA 2urn:uuid:fdbef333-9830-596c-8705-a3852d43f6712018-04-30T17:37:14ZCursos 9 de mayo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Tóxica

 

¿Qué sucede cuando la "naturaleza" es tóxica?, ¿Cuál es nuestra responsablidad en esta transformación, y ¿cómo afecta a distintos cuerpos, humanos y no humanos? ¿De qué forma nos obliga a repensar nuestros entornos y formas de habitar? ¿Porqué necesitamos ampliar nuestro marcos teóricos y marcos de acción para intervenir/nos en ella? 

Para más información pincha aquí

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Santiago Morilla_POST-ARCADIA 2urn:uuid:b87c6338-c61b-5e33-a05a-ed1b72e5c5a22018-04-30T17:19:37Z 16 de mayo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

   CONFERENCIA_   título y resumen                                                                                  

¿Son las cartografías digitales el nuevo campo de batalla de la imagen-mundo? ¿Hasta qué punto su mediación entre conocimiento y experiencia del territorio determina nuestra conciencia del planeta Tierra? ¿Se puede reconfigurar y resignificar la realidad desde la práctica artística en lo virtual cartográfico? Desde la tecnosfera, con nuestra dependencia tecnológica, hiperconectividad y la proliferación infinita de basura e imágenes-spam… ¿Seríamos capaces de cambiar el comportamiento humano hacia la biosfera a través de la experiencia creativa dentro del mapa? ¿Podríamos imaginar otra imagen-mundo? ¿Otra ficción cartográfica?

 

Título_ Prácticas artísticas y conciencia planetaria en el BIG DATA cartográfico.

Resumen_  Todo es Tecnosfera. Vivimos mediados y dependientes de un ambiente artificial creado gracias a la tecnología para el desarrollo de nuestras actividades y la satisfacción de nuestras necesidades, deseos y sublimaciones. Un ambiente que modifica nuestra cultura, nuestra idea del mundo y del “nosotros” en relación a él. La humanidad se ha convertido en una fuerza geológica de ámbito planetario. Hemos alterando fauna y flora, sobreexplotado recursos energéticos, alterado tierra, aire y agua, y contaminado la Tierra con nuestra fastuosa infraestructura de chismes, tecnofósiles y demás basuras producidas a furiosa velocidad desde 1945, inicio de la «Gran Aceleración» y acto fundacional del controvertido término geológico “Antropoceno” que, como unidad formal, recoge el significativo impacto humano sobre la Tierra, ajusta el discurso científico a la realidad y podría tener consecuencias a nivel legal. Pero, ¿qué significa ser responsable en el contexto del Antropoceno, cuando no hay un “nosotros”, un cuerpo político claro e identificable que cargue con la responsabilidad de la acción colectiva y sus consecuencias derivadas? 

Asumo, en primer lugar, que nuestra experiencia del mundo está mediada, hoy más que nunca, por nuestra relación con la tecnología en un mundo hiperconectado, cuyas infraestructuras de comunicación se complican y se multiplican para satisfacción de las necesidades y deseos de unacultura digital tecnocrática que acrecienta la brecha cultural y política. Pero, junto a esto último, se presentan argumentos y proyectos artísticos que consiguen cuestionar la gobernanza del acceso y la gestión de dicha intermediación tecnológica y sus instrumentos con ayuda de los cuales se produce una cierta conmensurabilidad de datos e interrelaciones (causas y efectos) a escala global que pueden ayudarnos a imaginar y narrar otro mundo posible (también desde la práctica artística). 

De acuerdo con la hipótesis de investigación que defiendo, la naturaleza ya no es aquello que está fuera de nosotros, abarcable desde la distancia “como un todo” ideal, sino que está “artializada” en una multiplicidad de multiplicidades donde las intermediaciones tecnológicas y telecomunicacionales, que nos ofrecen una imagen-mundo, son el foro de representación planetario donde comenzar a imaginar y componer un cuerpo político, otra representación responsable ante el estado cambiante del mundo. 

 

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Tatiana Abellán_ MIRADAS CERCANASurn:uuid:9a7a21cb-7e16-5966-a3fc-02957dfa3bd02018-04-23T07:35:13ZConferencias 30 de abril 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

 

    CONFERENCIA_ título y resumen                                                                                        

Título_ La imagen que resta

Resumen_ La imagen que resta es la imagen que falta, la que sustrae, la que arrebata algo, pero también es la que queda, la que permanece. El proyecto de investigación y creación La imagen que resta invita a una reflexión acerca de la estrecha relación entre la fotografía y el paso del tiempo, entre autorrepresentación y memoria, entre la imagen y la muerte, y lo hace mediante la apropiación, el borrado y mutilación de fotografías encontradas, que son transferidas a cristales de gran formato, para intentar hacer ver aquello que no está, o que no es visible. 

 La traumática pérdida del archivo fotográfico de mi estancia en Roma dio lugar al proyecto Fuisteis yo, mediante el que durante los últimos años he intentado construir una suerte de álbum personal basado en la apropiación, buscándome, o más bien inventándome, a mí misma, en unas fotografías que han sido borradas químicamente, parcial o totalmente. La mutilación de estas imágenes, su conversión a estado líquido, su forzado y acelerado proceso de desaparición reclaman la atención sobre la naturaleza de la memoria y la continua presencia de la muerte.

 

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5+1 El diseño a través de los libros_ DÍA DEL LIBROurn:uuid:ce1e8fb7-5c92-5d42-b676-98cbab39e6792018-04-20T12:06:56ZConferencias CONFERENCIA_ El jueves 26 de abril a las 19,30h en la Biblioteca del CENDEAC contaremos con Julián Garnés y Guillermo Rubio que ofrecerán una conferencia titulada "5+1 El diseño a través de los libros".

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Tatiana Abellán_ MIRADAS CERCANASurn:uuid:3177aac8-61c0-5bef-a8d5-bc22c08a76992018-04-20T10:26:30Z 30 abril 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca / Entrada libre y gratuita

 

 CONFERENCIA_ título y resumen                    

Título_ La imagen que resta

Resumen_ Pendiente de actualización

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Presentación del libro "Curaduría de Latinoamérica" de Juan José Santosurn:uuid:a2cd7798-3e35-51a7-a640-045b79f836692018-04-19T09:56:14ZDebates El autor Juan José Santos Mateo presentará el libro publicado este mes por el CENDEAC, dentro de la colección "Documentos" "Curaduría de Latinoamérica. 20 entrevistas a quienes cambiaron el arte contemporáneo".

Sobre el autor

Juan José Santos Mateo es crítico de arte y comisario. Actualmente es editor-colaborador de Momus y colaborador de El Pais y su suplemento “Babelia”, además de las revistas Artnexus, A Desk o Dardo Magazine, entre otras. Desde 2004 ha publicado críticas de arte en medios como Arte! Brasileiros, Arte al Día, Lápiz, Hyperallergic, Input o Eldiario.es. Ha sido profesor titular de la asignatura “Historia de las Curadurías” y profesor adjunto de “Investigación y escritos de arte” en la Universidad Diego Portales de Chile, así como profesor titular de la asignatura “Escrituras críticas” en el Instituto de la Universidad Católica de Chile. Ha dado cursos de posgrado sobre crítica de arte y comisariado y ha sido tallerista y conferenciante en diversas instituciones, como el Museo de Arte Contemporáneo de Chile, El Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, el MUSAC, o la red de centros culturales de España en Latinoamérica. Comisario de más de 20 exposiciones colectivas e individuales en España y países de Latinoamérica como Chile, Bolivia, Argentina, Uruguay, Brasil o México, ha realizado residencias en Casa Wabi (México), Atelier Fidalga (Brasil), Centro de Arte Contemporáneo Laznia (Polonia), Espai Colona (España) o Kiosko (Bolivia). Es Diplomado en Historia del Arte por la Universidad de Valladolid (España), Licenciado en Periodismo por la Universidad SEK (España), Posgrado “Especialista en Crítica de Arte” de la Universidad Complutense de Madrid y actualmente cursa el “Máster en Dirección y Producción de Gestión Cultural” de la Universitat Oberta de Cataluña.
 
Sobre el libro "Curaduría de Latinoamérica". 20 entrevistas a quienes cambiaron el arte contemporáneo"
 

La historia del arte contemporáneo se escribe desde sus exposiciones, y no todas las muestras paradigmáticas han tenido lugar en Estados Unidos o en Europa. Este compendio de entrevistas a los principales curadores de Latinoamérica pone en valor el trabajo de, entre otros, Paulo Herkenhoff, Gerardo Mosquera, Ivo Mesquita, Mari Carmen Ramírez, Luis Pérez Oramas, Cuauhtémoc Medina, Gabriel Pérez-Barreiro o Luis Camnitzer, a través del análisis crítico de las exposiciones que modificaron el rumbo de la práctica artística dentro y fuera de Latinoamérica.Desde la Bienal de la Habana hasta Perder la Forma Humana, pasando por la mítica Bienal de Sao Paulo de 1998 o la influyente Inverted Utopias, este libro pretende también recordar experiencias menos conocidas, pero no por ello de menor valor; el Museo Bailable de Roberto Jacoby, el Museo del Cerro de Pablo León de la Barra u Horror Vacui de Rosina Cazali son algunas de ellas. Intentando cubrir todos los países de la región, así como todas las prácticas artísticas posibles, "Curaduría de Latinoamérica" profundiza en la manera de pensar y de actuar de los curadores más relevantes, descubriendo las vicisitudes, los cambios y los avances que fomentaron en el campo curatorial. Las entrevistas preceden a un ensayo introductorio que sitúa en antecedentes y contextualiza la práctica del comisariado de exposiciones de arte contemporáneo en el continente. Este libro no tiene vocación académica, aunque no puede desentenderse de su aportación didáctica para historiadores, investigadores, comisarios de arte, críticos, artistas, y amantes del arte contemporáneo. 

A las 19:30h en el CENDEAC, sala de la biblioteca.

El autor presentará también este libro en la librería La Central del MNCARS de Madrid el día 11 de mayo, a las 19:00h, que contará además con el curador y crítico de arte de origen cubano Gerardo Mosquera.

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Alfredo González Ruibal_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:7c8e1311-024a-597a-a52b-9e0208ac2e022018-04-13T11:36:05ZCursos 2 de mayo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 


   BIO                                                         

Alfredo González-Ruibal es doctor en Prehistoria por la Universidad Complutense y científico titular en el Instituto de Ciencias del Patrimonio del CSIC. Su investigación se centra en la arqueología del pasado reciente y en concreto en los aspectos más negativos de la modernidad, como la guerra, las dictaduras y el capitalismo depredador. Ha realizado trabajo de campo sobre estos temas en distintos lugares de Europa, Sudamérica y África. En estos momentos está acabando de escribir un libro con el título The Age of Destruction: An archaeology of the contemporary world.

 

 

   CONFERENCIA_   título                                                                                  

Título_ Antropoceno, arte y arqueología

¿De qué manera abordan la arqueología y el arte contemporáneos la transformación del mundo provocada por el Antropoceno? ¿Cuál es su relación con lo monstruoso y lo sublime? ¿En que se asemejan y diferencian el régimen estético de la arqueología y el arte actuales? ¿Cómo podemos revertir estética y políticamente la desmitificación del mundo causada por la hipermodernidad?

 

 

 

Más información de la actividad aquí

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Daniel López del Rincón_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:d892d244-7e6f-53c8-871a-179c36b07ee62018-04-05T11:10:27ZCursos 25 de abril 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Título_ El tridente bioartístico

Resumen_ En la era biotecnológica entra en crisis el concepto mismo de Naturaleza. La Naturaleza ya no es lo que era. La pregunta por la función de las prácticas artísticas en contextos de crisis es recurrente, y el bioarte no es una excepción. ¿Podemos esperar del bioarte algo más que un diagnóstico de este contexto? ¿Qué tipo de prácticas acoge el bioarte, y de qué manera se relaciona con los agentes implicados en el mundo biotecnológico? La historia del bioarte es mucho más antigua que la aparición de su nombre, a principios del siglo XXI. Ya desde sus orígenes, en la década de los veinte del siglo XX, se empezó a concebir la modificación genética con fines estéticos, siendo progresiva pero intermitentemente integrada en el mundo artístico. Desde entonces, y muy especialmente a partir de la década de los noventa, un nutrido grupo de artistas trabajan en el fértil terreno de las relaciones entre arte, bilogía y tecnología, articulando un verdadero tridente bioartístico, cuyas tres tendencias (biotemática, biomedial y bioactivista) presentan estrategias muy distintas para afrontar la realidad biotecnológica. El objeto de esta conferencia es el análisis de estas tres puntas, situándolas en el tiempo y recurriendo a prácticas artísticas representativas que nos permitan valorar si, efectivamente, es posible esperar del bioarte algo más que un comentario de la realidad, escrito a sus márgenes, o si, por el contrario, es posible que el tridente penetre las carnes mismas de la biotecnología.

Más información de la actividad aquí

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Catia Faria_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:835f8de1-ad7c-5f3d-88d4-5c9f8622a4152018-04-05T11:10:13ZCursos 21 de marzo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Naturaleza y Ética post-Darwiniana  

¿Es la naturaleza moralmente neutral o, en última instancia, fuente de disvalor? ¿Qué es la visión idílica de la naturaleza? ¿Qué implicaciones éticas se siguen de su rechazo? ¿Defender a los intereses no humanos implica preservar, modificar o abolir lo natural? ¿Qué posibilidades ofrece el arte en la construcción de un futuro post-Darwiniano?

Más información de la actividad aquí

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David Bestué_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:fb14bc12-1b1c-548a-bb88-84f58df3adc32018-04-05T10:28:21ZCursos 28 de febrero 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0 

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

   BIO_                                             

David Bestué (Barcelona, 1980) es un artista visual interesado en las relaciones entre el arte y la arquitectura. Ha realizado trabajos sobre Enric Miralles y la Historia reciente de la arquitectura y ingeniería en España.

Otro de sus focos de interés es la relación entre la escultura y el lenguaje, visible en algunas de sus exposiciones como Piedras y poetas, en la galería Estrany de la Mota (Barcelona, 2013); Realismo, en La Capella (Barcelona, 2014), La España Moderna en García Galería (Madrid, 2015) y ROSI AMOR, en el Museo Reina Sofia (Madrid, 2017).

Fotografía: David Bestué © José Hevia

  

   CONFERENCIA_   título y resumen                                                                                

Título_ Dar sentido.

 Resumen_ En esta conferencia quiero indagar las relaciones entre la materia y el lenguaje a través de una serie de imágenes y referencias a la obra de poetas, lingüistas, artistas y arquitectos. Desde el mito de Ió a la lectura de un poema de Blanca Varela realizado por el poeta y lingüista Mario Montalbetti. El punto de partida de mi intervención es la necesidad que tiene cada época por construir sentido, sea a partir de la creación de relatos del Génesis o mediante una identidad apuntalada por hechos del pasado. En la actualidad lo simbólico ha perdido valor a favor de lo utilitario. Durante este proceso lenguaje se ha vuelto demasiado pragmático e instrumental y la palabra ha perdido ambigüedad. En este contexto nace mi interés por trabajar y darle vueltas a la idea de lo material. Admirar la materia por encima de la forma, entenderla de hecho como algo que [...].

Resumen completo y más información sobre la actividad aquí

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Teresa Galí-Izard_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:cdf9be01-dc34-50f3-99f4-460873b540ea2018-04-05T10:26:48ZCursos 7 de marzo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

Procesos naturales: Siempre hay una respuesta. Nos guste o no.

¿Cómo incorporar la inteligencia de los procesos naturales que conforman la Naturaleza en nuestras formas de vida tecnológicas, culturales, digitales? Cuáles son los tiempos, las formas de identificación y las fragilidades de este potencial desconocido? ¿Cómo rescatar estas inteligencias, y tiempos, en un mundo cada vez más tecnológico, aislado, urbano y global?

Mas información aquí

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Verónica Perales_ POST-ARCADIA 2urn:uuid:56694818-017a-5e44-9394-ae0ca59d92862018-04-05T10:26:30ZCursos 14 de marzo 2018  / 20h / Cendeac / Espacio 0

VIII Curso de introducción al arte contemporáneo

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo


 

Dibujar para Mirar: ecoartivismo, ecofeminismo y cosmosis.

Desde la práctica del arte podemos plantear experiencias estéticas que cultiven relaciones estrechas con el medio natural y el cosmos, generando un sustrato desde el que favorecer cambios profundos en nuestra manera de entender una “ecología” a gran escala. Desde hace más de una década, a través del colectivo Transnational Temps (http://transnationaltemps.net/) y como artista ecofeminista en solitario, intento romper con algunas formas aprendidas de percibir, buscando alternativas que susciten la reflexividad (sentirse conectado y unido a la biosfera y el cosmos a través de la vivencia, de lo experiencial).

Más información aquí

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3º Seminario del Máster de Estudios Visuales: Medium Philosophicumurn:uuid:027e0de7-36f3-51a8-a003-0aab4bd804ea2018-03-27T11:41:00ZSeminarios Seminario

Medium Philosophicum: 

Pensar el arte tecnológicamente

 

Ponente:

Timothy C. Murray

 

18 y 19 de abril de 2018

 

 

 

Programa

 

Miércoles 18 de abril

19’30 h. Superficies esmeriladas de reciclaje: eventos de archivo (o la estética comprometida de Xu Bing)

 

Jueves 19 de abril

19’30h. Los nuevos medios en riesgo y las improvisaciones del arte (o cuando el futuro ya no es lo que era).

 

 

Este seminario reflexionará acerca de los desafíos artísticos y culturales planteados por: 1) los avances archivísticos de las tecnologías móviles, biotecnologías y sistemas de seguridad; 2) la fluidez, flexibilidad y accesibilidad global del archivo digital y su impacto en las convenciones humanísticas de subjetividad e investigación; y 3) la red digital como un sistema de soberanía global y capital configurado de manera conflictiva, pero también como un evento afirmativo y evolutivo capaz de suavizar las fronteras institucionales de la creación, la exposición y la crítica artística. En un esfuerzo por reflexionar sobre las estructuras cambiantes de conocimiento del media art internacional dentro del marco biopolítico, discutiremos proyectos filosóficos y curatoriales que se detienen en las transformaciones culturales forjadas por lo que Michel Foucault llamaría la "materialidad incorpórea" del “archivo inmaterial”. Para nuestra discusión serán centrales dos proyectos que ponen en relación y contraste Oriente y Occidente. En primer lugar, una reflexión sobre el reciclaje artístico y ecológico presente en Background Story, el proyecto del artista chino Xu Bing en el que se ponen en relación la tradición de la pintura China con la instalación electrónica. Y, en segundo, la consideración de la filosofía de la tecnología y la importancia del “riesgo” en la contexto biopolítico del new media art, con especial atención en los proyectos de David Blair, Suzanne Treister e Hito Styerl. 

 

 

 

Timothy Murray es profesor de literatura comparada en la Universidad de Cornell. Ha sido director de la Society for the Humanities, es Comisario del Rose Goldsen Archive of New Media Art y en la actualidad es director del Cornell Council for the Arts. Especialista en nuevos medios y humanidades digitales, entre sus libros destacan: Digital Baroque: New Media Art and Cinematic Folds (Minnesota, 2008), Zonas de Contacto: el arte en CD-Rom (Centro de la Imagen, 1999), Drama Trauma: Specters of Race and Sexuality in Performance, Video, Art (Routledge, 1997), Like a Film: Ideological Fantasy on Screen, Camera, and Canvas (Routledge, 1993). En la actualidad se encuentra preparando la Bienal de Arte del CCA (Duration: Passage, Persistence, Survival) y trabaja en el libro Immaterial Archives: Curatorial Instabilities @ New Media Art.

 

Lugar: Espacio 0 (Cendeac), a las 19:30h

 

 

 

 

Matriculación: casiopea.um.es  

Información: antonia.martinez11@um.es

 

Precio de matrícula: 50 euros, para alumnos que deseen certificado.

 

La asistencia es libre hasta completar aforo

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Nerea Ubieto_CONTEXTOSurn:uuid:bcdc3e42-3e5a-5eb6-99de-325a06c2ef002018-03-21T09:31:21ZConferencias 6 de abril 2018  / 20h / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

 

 CONFERENCIA_ resumen y título               

 

Título_ Comisariando la filosofía. 

Resumen_ La conferencia pretende tender puentes entre el arte contemporáneo y la filosofía, pero no desde la evaluación de la experiencia estética, como se podría esperar, sino por el hecho de compartir un mismo propósito: pensar el mundo.

El arte actual opera con ideas que se materializan en obras de la más variada naturaleza. En este sentido, el comisario podría entenderse como un filósofo que construye su discurso mediante un engranaje visual basado en las creaciones de los artistas.    

[+] Información sobre la actividad            

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Javier García Herrero_ MIRADAS CERCANASurn:uuid:bdda6bb5-fbb4-501e-ac56-c71d66bffc0e2018-03-20T09:58:33ZConferencias 26 de marzo 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

          BIO                                                         

Licenciado en Bellas Artes [Universidad de Murcia; Universidad Nacional de Córdoba, Argentina; Accademia di Belle Arti de Palermo, Italia]. Estudios de Arquitectura [Escuela Politécnica de Alicante].

Actualmente vive y trabaja en Madrid, desarrollando de manera simultánea proyectos personales, intervenciones específicas en espacios públicos y privados, y colaboraciones interdisciplinares.

Realiza talleres experimentales y conferencias en lugares como Centro de Innovación Pedagógica (Lille, Francia), Casa del Lector (Madrid), Universidad de Murcia o Fundación Hölderlin (Córdoba, Argentina).  

En el 2015 gana el premio de literatura Creamurcia y comienza a producir ensayos sonoros desde la plataforma El Estado Mental. 

Su trabajo ha sido expuesto en espacios como Matadero Madrid, Colegio de España en París, Galleria Cannatella (Palermo, Italia), Palacio Almudí (Murcia), Beats Lab (Madrid), Andrea Rosen Gallery (Nueva York) o CePIA (Córdoba, Argentina).

  

    CONFERENCIA_ título y resumen                                                                                        

 

Título_ Política, deporte y sucesos

Resumen_ En la primera parte de la conferencia se hablará de la proliferación de locales de apuestas y salones de juego para adultos en España. Durante la segunda, García Herrero compartirá el estado actual del proyecto de investigación en el que lleva a cabo un análisis morfosintáctico de los titulares referentes a la semana santa aparecidos en la prensa regional desde el año 1983. La tercera incluirá un reparto de golosinas entre los asistentes, y el sorteo del libro más vendido en la ciudad de Murcia durante el mes de enero del año 2018.

 

Para más información pincha aquí

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Adonay Bermúdez_Ciclo CONTEXTOSurn:uuid:2d042c39-7a3c-5b66-b078-7379f20c7bea2018-02-13T13:08:42ZConferencias 26 de febrero 2018  / 20h / Cendeac / Espacio Biblioteca

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo

 

 

Adonay Bermúdez (Lanzarote, España. 1985).  

www.adonaybermudez.com

 

CONFERENCIA_ resumen y título                  

Título_ El comisariado subversivo (si es que eso existe).

Resumen_ En una época de máxima competencia y situación cultural precaria, se hace necesario crear sinergias entre activos culturales para generar y maximizar los beneficios mutuos. De esta forma, el comisario Adonay Bermúdez (Lanzarote, 1985) expone de manera 100% personal los beneficios e inconvenientes de comisariar desde el punto de vista subversivo, abandonando toda relación con la polémica. Comisariar desde la coherencia.

 Para +información pincha aquí

 

 

 

 

 

 

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Miradas Cercanas: Pedro Nogueraurn:uuid:1a009231-ebe9-569e-ac0d-e03a8d0f4b232018-01-30T13:00:47Z 5 de febrero 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca / Entrada libre y gratuita

 

 

      BIO                                              

Pedro Noguera _Pigüo

1984. Murcia.

Comienza a desarrollar su trabajo dentro de las artes plásticas en la calle. Desde 1999 ha pintado graffiti y experimentado con el arte urbano. Otro aspecto que marca su forma de entender la creación artística, es el hecho de pertenecer a una familia con tradición de taller de imaginería religiosa con una larga trayectoria ligada a este mundo.

Termina la licenciatura en Bellas Artes y un master de restauración de bienes culturales en Universidad Politécnica de Valencia en 2009. Ha realizado diversos cursos de formación y colaboraciones con reconocidos artistas en diversos campos del arte contemporáneo, como Ángel Haro o Esther Ferrer.

Como restaurador aborda trabajos pintura de caballete, escultura policroma y dorados. Además de trabajar durante muchos años en el taller familiar Hijos de José Noguera Valverde, ha sido contratado como técnico de restauración para el Centro de Restauración de la Región de Murcia en los años 2009 y 2010.

También desarrolla en paralelo a la producción artística, una labor docente en la que combina los talleres monográficos sobre arte urbano y graffiti, los cursos de experimentación pictórica para niños y la enseñanza reglada en secundaria con asignaturas como la cultura audiovisual o la educación plástica.

En el campo de la pintura tiene influencias muy variadas como el constructivismo de las vanguardias del siglo XX, el expresionismo abstracto norteamericano, el arte matérico e informalista, u otras corrientes y estilos de la pintura y el graffiti relacionados con la abstracción geométrica.

Actualmente centra su trabajo en estudios de geometría con referentes  arquitectónicos en los que se mezclan colores y grafismos propios del graffiti, donde el tema principal es el entorno urbano y sus continuos cambios y fluctuaciones.

 CONFERENCIA_ título y resumen                    

Interior-exterior. Pintura y espacio urbano.

Concebir el entorno de la ciudad como soporte y continente de la práctica artística, es algo que viene de lejos. Nos podríamos remontar al tiempo de los griegos en los que el concepto de arte no existía, y la escritura o ingenuos dibujos denominados en italianograffiare, (término del que deriva el de graffiti) servían como una forma más de comunicación libre con códigos que, tal y como sucede hoy día, en ocasiones sólo alcanzaban a entender los destinatarios o personas afines.

Desde que empecé a pintar, combinar y aplicar lo aprendido en el taller a prácticas de mural u otras disciplinas en el entorno urbano, ha sido para mi una constante.

Posterior a los procesos de elaboración y contemplación de resultados de esos trabajos en exterior, mi mirada e intereses cambian, y en consecuencia las obras trabajadas en el estudio.

Antes de hablar del proyecto creativo en el que me encuentro inmerso actualmente, considero necesario hacer....+info.

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Miradas Cercanas: Gloria Lapeñaurn:uuid:7c118a14-1b2d-57d2-bc5c-2690c9ab105d2018-01-24T09:33:03ZConferencias  

29 de enero 2018  / 19.30 / Cendeac / Espacio Biblioteca / Entrada libre y gratuita

 
 
 

      BIO                                              

Gloria Lapeña (Murcia, 1989) es Doctora por la Universidad de Murcia y miembro del grupo Arte y Políticas de Identidad de la misma Universidad. Desarrolla su investigación en torno a las políticas de exclusión como reflejo del tejido vivo que moviliza la vida cotidiana en base a un pasado histórico más o menos reciente, y que aún persiste en la configuración de la ciudad, sus calles y sus arquitecturas. Su labor artística, ligada a su faceta investigadora, se circunscribe en el espacio urbano como receptáculo de memoria, narrado en torno a las historias paralelas a los grandes acontecimientos que ponen de manifiesto múltiples identidades soslayadas por la historiografía oficial. 

 
 

 

 CONFERENCIA_ título y resumen                

 

Caminar la Historia. Reescribir la ciudad

 “Caminar la Historia. Reescribir la ciudad” se plantea como una reflexión, desde el ámbito de las Bellas Artes, en torno al concepto de ocultación en una doble vertiente: la historiográfica y la arqueológica. Dicha problemática, concretada en la ciudad de Murcia, es abordada por medio de la definición de un nuevo formato artístico, el álbum caminado, y su materialización en la obra artística “Tahta al-zará. Un sueño bajo la tierra”, que narra ...... +info.

 

 

 

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Presentación del libro "Historia y violencia en latinoamérica"urn:uuid:b1251860-9db6-5cbc-9fbc-50faefe5d3542018-01-16T12:04:17ZEncuentro Elena Rosauro estará en el CENDEAC el jueves, 1 de febrero, para presentar el libro editado por el CENDEAC "Historia de la violencia en América Latina. Prácticas artísticas. 1992-2012" (Colección Ad hoc nº 30, diciembre 2017). Previamente lo presentará en La Central del MNCARS de Madrid el 31 de enero a las 19h. El libro estará disponible tanto en La Central como en la página web del CENDEAC.

 

 

Sobre el libro:

 

Un importante número de artistas en las últimas décadas abordan la violencia en América Latina como un fenómeno ligado a la historia y a la política de la región. Esta violencia, en algunos momentos, llega a entroncar en ciertas genealogías de dominación colonial, y tiene que ver, en cualquier caso, con las enormes desigualdades económicas y sociales que aún rigen el continente. Este libro propone una cartografía crítica de las prácticas artísticas que, entre 1992 y 2012, han tratado la violencia política ligada a la historia, pasada y presente, de América Latina. En este sentido, toma el análisis de las operaciones o estrategias formales utilizadas en la creación de las obras como uno de los aspectos más relevantes para la reflexión en torno a la representación de la violencia. Se abordan, también, las fuentes iconográficas, la recepción crítica de las obras y su interpretación. La metodología seguida incluye criterios que atienden a la naturaleza nacional/transnacional de las obras, su visibilidad y el reconocimiento de las mismas en el sistema del arte internacional, así como a la interdisciplinariedad de las prácticas artísticas y sus interacciones con el activismo político. Por otro lado, el análisis crítico de las obras permite proponer conceptos innovadores para el estudio de las estrategias formales en las prácticas artísticas contemporáneas, que dan cuenta de procesos de apropiación, traslación y alegorización de tradiciones iconográficas y operaciones de materialización/desmaterialización de objetos, espacios y cuerpos.

 

 

Sobre la autora:

 

Elena Rosauro (Madrid, 1985) es doctora por la Universidad Autónoma de Madrid. Realizó una maestría en Estudios Latinoamericanos y un posgrado en Cooperación Cultural y se licenció en Historia y Teoría del Arte. Actualmente es investigadora postdoctoral en la Universidad de Zurich, Suiza. Ha publicado artículos en revistas científicas internacionales y ha participado en numerosos congresos y simposios en diferentes países, tanto en Europa como en América. Sus campos de investigación incluyen los estudios latinoamericanos, los estudios culturales y de cultura visual, los estudios sobre violencia y memoria, y la antropología del arte. Es miembro electo del consejo de la Sección de Estudios de Cultura Visual de la Asociación de Estudios Latinoamericanos (LASA) y es secretaria general de la Red de Estudios Visuales Latinoamericanos (ReVLaT). También trabaja como coordinadora y secretaria editorial de la revista online Artefacto visual. 

En el plano curatorial es co-fundadora del proyecto la_cápsula, con sede en Zurich pero proyección internacional, que activa diferentes espacios en la ciudad a través de eventos artísticos efímeros. La próxima exposición del proyecto se realizará en el barrio de Usera de Madrid (C/ Ramón Luján 78), el 27 de enero de 2018. 

 

 

La presentación tendrá lugar el 1 de febrero a las 19:30h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre.

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Contextos: Johanna Caplliureurn:uuid:783699d0-b153-58ea-bb58-ce4ac64485742018-01-10T08:54:39ZConferencias Conferencia: La teoría ficción expandida al trabajo curatorial

JOHANNA CAPLLIURE 

 

Desde 2005 ejerce su carrera como comisaria, filósofa y crítico de arte. Desde sus comienzos en el ámbito académico e institucional ha organizado actividades culturales como talleres, congresos, y simposios desde una perspectiva crítica sobre la cultura; tratando de introducir nuevos lenguajes y nuevos profesionales del pensamiento y la creación actual en ambos ámbitos: el universitario y el museístico. Fue vicepresidenta de AVCA: Associació Valenciana de Crítics d’Art, desde febrero 2012 hasta 2015. Actualmente es docente de Estética y Teoría del arte en la Universidad de BBAA de la UMH (Altea). Es licenciada en Historia del Arte y en Filosofía por la Universitat de València-UVEG formándose entre la UVEG, la UB (Universitat de Barcelona), l’Université de Toulouse Jean Jaurès (Francia) y l’UQAM (Université de Quebec à Montréal, Canadá). Es miembro del grupo de investigación FIDEX (Figuras del Exceso y Políticas del Cuerpo) de la UMH y del grupo de investigación Península. Procesos coloniales y prácticas artísticas y curatoriales del MNCARS.

 

Ha comisariado exposiciones y dirigido proyectos para la institución entre los que destacan principalmente: The Resistance of Transparency con Boudry&Lorenz, Sarah&Charles y Leonor Serrano Rivas,  Centro Párraga, Murcia, enero, 2018, A Revolutionary Love/Un amor revolucionari, Rectorado UMH, octubre-2017 con Alex Francés, Johan Grimonprez, Alexa Karolinski / Ingo Niermann, Maha Maamoun, María Ruido y Francesc Ruiz; Distopía general, Las Atarazanas, Ayuntamiento de Valencia, abril-2017 y On Translation, Centro del Carmen, Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana, abril-2017y La Lonja del pescado, Alicante, julio, 2017; The Ritual Box y The Ritual Box II  en La Rambleta, en el que han participado: Javi Moreno, Pil&Galia Kollectiv, Nadine Byrne y Ben Russell, 2015. Y, Chiara Fumai, Nuria Fuster, Richard Orjis, Julià Panadès, Bernhard Rappold, Enrique Radigales, Felix Leon Westner y Graham Bell, 2016. La exposición L’écran en conflit de María Ruido en la Galería Rosa Santos (Valencia, 2016); Relatos extraordinarios. Laylah Ali y Abigail Lazkoz. Sala Parpalló. Centro Cultural la Beneficencia, Diputación de Valencia, 2011; Conversaciones Extraordinarias, Sala Parpalló, Valencia, 2011. Identidades Estratégicas. Prácticas de intervención cultural. Centro Cultural La Nau (UVEG) y el Instituto de estudios universitarios de la mujer. Valencia, 2005; el comisariado de la exposición Fugas Subversivas. Reflexiones híbridas sobre la(s) identidades. Sala Thesaurus, Centro Cultural La Nau. Valencia, 2005. También ha sido invitada como comisaria independiente a la Biennal Martínez Guerricabeitia para la 12º edición, 2014, Valencia. Y en el Festival Miradas de Mujeres ha participado con el proyecto expositivo: Componer en el tiempo para MAG en Elche, 2014 (Alicante). 

 

Además, como docente ha impartido clases de crítica y arte contemporáneo en la UVEG y conferencias en UPV, ha organizado congresos de crítica de arte para la AVCA y también ha participado en congresos y seminarios de filosofía, arte y política, literatura comparada y crítica de arte, así como ciclos de cine y festivales de música. 

 

Habitualmente escribe textos de crítica cultural y pensamiento contemporáneo. Entendiendo el pensamiento como praxis, como “practique sauvage”, sus artículos atraviesan la hermenéutica crítica, los estudios de género y los estudios culturales (pensamiento postcolonial), la filosofía de la historia y las investigaciones entre comunidad, activismo y resistencia, relato y ficción “versus” historia. Actualmente está investigando las relaciones entre autobiografía, autoficción y autorreflexión desde la perspectiva del fictocriticism y el OOO.

Entrada libre hasta completar el aforo. Podéis enviar dossieres de trabajo para que Johanna Caplliure los vea al correo publicaciones@cendeac.net.

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Contextos. Semíramis Gonzálezurn:uuid:c2dadc48-52dd-5648-ae48-6f33aa92548d2018-01-08T13:42:26ZConferencias Comisariado, arte emergente y mercado: el trabajo con artistas 

A la hora de abordar mi labor en el campo del comisariado siempre prefiero usar el término de “art currator” para poner de relieve una forma de concebir cada proyecto con un sentido dialógico, de tú a tú. Desde los inicios de mi interés por ese “trabajar con artistas” mis referentes partían de esta forma de comisariar, donde es tan importante lo que se va a decir con la exposición como el modo en que esta se ha desarrollado antes. Pero vayamos por partes.

La idea de “art currator” viene a cuento también de mi experiencia como joven historiadora del arte que sale de la universidad en plena crisis económica (terminaba el máster en 2013) y que tiene que enfrentarse a un sector que, de por sí, es precario y dificultoso para la sostenibilidad profesional, y además con ese hándicap de todo un país en crisis. Así que más que curadora me convierto en currante, decidida a que es posible encontrar un camino en el sector artístico dentro del comisariado y la gestión, no sin dificultades, claro. Desde el principio me lanzo a trabajar con artistas, ya fuera escribiendo textos para exposiciones, críticas de las mismas para medios como la Plataforma de Arte Contemporáneo, o pequeñas exposiciones con artistas emergentes. Aquí surge otro de mis intereses: el arte emergente, no tanto como categoría vinculada a una edad sino más bien a una actitud, a un trabajo vanguardista y actual. 

Desde entonces, y a medida que han ido pasando los años y los proyectos, esta ha sido siempre mi meta: un trabajo serio, profesional, y en diálogo con los y las artistas. Y, sin embargo, ¿qué puedo aportar yo como comisaria a una obra, a una serie o a todo un proyecto que un artista investiga y desarrolla? Pues bien, creo que la función del comisario de exposiciones implica ese respeto por cada proyecto artístico, el poner en valor un corpus de trabajo que intenta, a través de las imágenes, responder a preguntas comunes que todos los seres humanos tenemos, sin perder nunca de vista la importancia de la buena resolución estética y material. La lectura que una comisaria hace de una obra, en mi opinión, parte de la reflexión del/la artista pero aporta algo más, encuentra conexiones con otras obras y artistas o con otros interrogantes posibles que la obra puede plantear, aunque no estuvieran previstos en un primer momento. 

Además, a la hora de disponer las obras en la sala de exposiciones, la comisaria debe tener en cuenta el punto de vista que tendrá quien la visite, pudiendo conocer o no el trabajo con anterioridad. En cualquier caso, lo ideal es que si se conoce, se aporten nuevos puntos de vista sobre el artista y su trabajo, y si no se conoce, se genere un interés no solo por lo mostrado sino una serie de preguntas posibles a raíz de lo presentado. 

Y aquí viene también la idea de mercado. Actualmente desarrollo mi trabajo como directora artística de la feria de arte emergente JustMad, junto a Daniel Silvo. Resulta interesante cómo se aborda una dirección con dos cabezas y cuatro ojos, ya que el punto de vista de Silvo, como artista, tiene unas tendencias concretas y unas formas de trabajar, y las mías como comisaria, otras. Sin embargo, esta divergencia ha permitido, en mi opinión, generar un proyecto de feria mucho más sólido, donde por ejemplo hemos querido poner el acento en la importancia de la formación de los y las artistas (con premios basados en tutorías con artistas más veteranos, residencias, etc.), y también incidir en las buenas prácticas o la igualdad de género. El mercado del arte es una parte del sector que tiene una importancia destacada; no entro a valorar si esto es positivo o no, pero lo cierto es que para los artistas resulta importante tener una galería que les represente y a su vez que les lleve a ferias, no solo por el fin comercial del evento sino también por la visibilidad en el mismo. Por eso, partiendo de las necesidades de los artistas y las galerías, tanto Silvo como yo hemos querido incidir en una feria distinta, divertida, emergente, con propuestas que van más allá de los eternos 35 que sirven de referencia para (casi) todo y plantear un evento donde todos los agentes del sector sean protagonistas. Fomentar el coleccionismo de obras de unos precios más razonables (entre 500 y 4.000 estaría el baremo de precios de obras en JustMad) y acercar el arte más actual al público no solo como visitante sino como comprador o primer inicio de coleccionismo.

En cualquier caso, tanto en el ámbito de una feria como en el de una exposición en una institución pública o en una galería, tengo el firme convencimiento de que una comisaria tiene que velar por el respeto a la obra artística, el trabajo de los y las artistas pero también responder a las cuestiones que sean protagonistas en su tiempo. Es también para mí muy importante la cuestión feminista y la defensa de la igualdad en el ámbito de la cultura, y así intento aplicarlo en mis proyectos, tanto en forma como en contenido. No solamente esto, sino que considero esencial reconocernos como sujetos privilegiados frente a otras realidades cercanas pero que no vivimos en primera persona, como por ejemplo, el racismo. Un verdadero proyecto comisariado no puede ser ajeno a las realidades sociales del mundo y no puede perder tampoco la importancia de la estética y lo visual para cambiar realidades. 

12 de enero a las 20h en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre hasta completar el aforo.

Las personas que quieran enviar un pdf con su obra para que Semíramis González lo vea pueden enviarlo a publicaciones@cendeac.net.

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Full Frame: Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓNurn:uuid:f6b270fd-ba03-5b3e-84f2-b28ef58ec55d2017-12-11T09:53:05ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

 

 

Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.

 

Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:

 

- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.

 

- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.

 

La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.

 

http://begoanton.com/

A las 19:30h en el CENDEAC. Entrada libre

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Un otoño de libros: Editar en Murciaurn:uuid:5fc83194-681d-55ee-9633-bc34fe1602062017-11-21T10:22:54ZDebates  

 

Participan Gustavo Alemán, Fernando Fernández Villa y Juan Rubio. 

Modera Javier Castro

 

Frente a los que vaticinan en plan apocalíptico desde hace años el final del libro y aseguran que la lectura avanza imparable hacia soportes más tecnológicos se ha producido en los últimos años un fenómeno de resistencia con el nacimiento de nuevas editoriales y una vuelta a los libros. En la región de Murcia este fenómeno ha sido destacado y además ha coincidido con el surgimiento de una interesante generación de nuevos escritores que ha enriquecido el panorama cultural. En esta mesa redonda tres destacados editores debatirán sobre los múltiples aspectos de una industria cultural –la de la edición- de una gran importancia: papel del libro, campañas de animación a la lectura, situación de librerías y bibliotecas, cómo se estructura un proyecto editorial, distribución, ayudas públicas etc.

 

 

Gustavo Alemán es fotógrafo y profesor de fotografía. Tras la publicación de su primer libro autoeditado “(No) soy de aquí” (2013) y tras toda una vida de fascinación con los libros y sus posibilidades expresivas, funda en 2014 la editorial Fuego Books junto con su hermana Ángela. Fuego Books publica fotolibros de autores nacionales y extranjeros y su énfasis es la difusión de proyectos que parten de la experiencia personal pero sirven a su vez de reflexión, opinión y crítica sobre la realidad contemporánea. 

Desde su fundación en 2014, Fuego Books ha publicado “Country Fictions” (2014) del fotógrafo madrileño Juan Aballe, un trabajo sobre la aspiración de volver al medio rural, examinando lo que tiene este plan de fantasía o realidad. Le siguieron “Up Around the Bend” (2015) de Christian Lagata, una visión personal sobre la vida en Rota junto a la base estadounidense, y ya en 2017 “Ser de La Cala” de Gerard Boyer, una meditación sobre la memoria, la construcción de los recuerdos y la relación entre pasado, presente y el posible futuro.  Por su parte, “Survivalists” de la artista francesa Léa Habourdin, aborda en una narrativa sútil nuestra compleja relación con el medio natural. Su último título es “A Place Both Wonderful and Strange” una antología de trabajos fotográficos inspirados por Twin Peaks y la obra de David Lynch que cuenta con el trabajo de trece fotógrafos internacionales, que incluyen a Cristina de Middel, reciente Premio Nacional de Fotografía. Es fundador también del Photobook Club Murcia y miembro del colectivo underphoto.

 


Fernando Fernández Villa desde muy joven ha estado relacionado con la edición, maquetación y diseño de publicaciones, coordinando diferentes revistas culturales y sociales en los 80 y 90. En 2007 crea Alfaqueque Ediciones y en marzo de 2008 publica la editorial su primer libro. Desde entonces, hasta la fecha, ha publicado numerosos títulos. En las próximas semanas la editorial pondrá a la venta una obra inédita de Miguel Espinosa: “Cartas a Mercedes”. En 2014, crea, junto al escritor, Paco López Mengual y el editor de Gollarín, Francisco Marín García, un nuevo proyecto editorial, La Fea Burguesía Ediciones, en la que tienen cabida la narrativa, el ensayo y la poesía. Actualmente compagina su actividad editorial con la de técnico de cultura en el ayuntamiento de Cieza.

 

Juan Rubio, creador audiovisual, es editor de Raspabook desde su creación en 2013 y lleva vinculado al sector editorial desde hace más de veinte años. Raspabook es una editorial independiente que desarrolla su actividad en el mercado español y ha establecido lazos con el área literaria latinoamericana. 

Su catálogo incluye narrativa, poesía, literatura infantil y juvenil y cocina. Se trata de una editorial que cree en la cultura como insurrección, como impugnación frente a valores dominantes, como mecanismo de transformación, como innovación social, como ejercicio de educación y sensibilización encaminados a crear espacios de eclosión y acción necesarios para mitigar la desigualdad de oportunidades. La cultura como punto de encuentro y reflexión.

 

A las 19:30 en la sala de la biblioteca del CENDEAC. Entrada libre

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Post-Arcadia. Qué Arte, para qué naturaleza?. Curso de Introducción al Arte Contemporáneo. 8ª sesión: Antropoceno/Gaia/Cosmosurn:uuid:7df4a64e-1573-5b6e-9f63-c3d536e6cf442017-11-17T09:34:29ZConferencias 8. ARTE TRANSDISCIPLINAR EN EL ANTROPOCENO

¿A qué llamamos naturaleza, hoy, en la era del Antropoceno? ¿Cómo afectan

las teorías del Antropoceno y la Tecnosfera a la práctica artística

contemporánea?¿Es posible, desde el arte, una revisión ético-crítica sobre

el modo de habitar el mundo? ¿Puede ser la práctica artística un mecanismo

efectivo de visibilización y revisión de la crisis sistémica medioambiental

global? ¿Qué prácticas artísticas están interesadas en cuestionar el

proyecto moderno (tecno-cultural y geopolítico) de explotación del planeta,

y cómo lo hacen?¿Es posible la interconexión de los nuevos procesos y

métodos de las disciplinas tecno-científicas con las prácticas artísticas

transdisciplinares?

 

Invitada: Bárbara Fluxá (Artista). A las 20h. Entrada libre

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Full Frame: Agus Bres en conversación con MIREN PASTORurn:uuid:77814302-bf68-5e5d-a292-5c3edc4158872017-11-17T09:24:28ZDebates FULL FRAME: Ciclo de conferencias sobre fotografía contemporánea

 

 

 

Este ciclo de conferencias/encuentros busca introducir a un público general interesado en el arte y en la cultura en las nuevas manifestaciones y visiones de la fotografía contemporánea, mediante el análisis pormenorizado de proyectos fotográficos relevantes y el testimonio de creadores jóvenes que compartan su proceso creativo, sus hallazgos y sus dificultades.

 

Este proyecto está coordinado por el colectivo” Underphoto” y consistirían, entre otros, en los siguientes contenidos:

 

- Una mirada profunda y detallada al trabajo de cada uno de los autores invitados. Comenzando por sus influencias, el análisis pausado de su proceso creativo, culminando en sus resultados finales, incluyendo aquellos proyectos o series que no llegaron a buen puerto. Todo ello guiado por uno de nuestros miembros, que mediante preguntas guiaría el curso de la conversación.

 

- Análisis de la situación actual de la fotografía, a cargo de Underphoto y los profesionales invitados. Este análisis estaría centrado en los proyectos y propuestas más interesantes de la actualidad, en las nuevas posibilidades de difusión y en las tendencias más contemporáneas.

 

La idea es crear un entorno de debate amable, compartir experiencias, mostrar al público nuevas ideas y poner de ejemplo exposiciones, proyectos, fotolibros, etc, que puedan dar pie a experiencias similares en nuestro entorno.

 

 

 

 

23 de noviembre Agus Bres en conversación con MIREN PASTOR

http://www.mirenpastor.com/

Para la sesión del Mes de Noviembre la invitada es la fotógrafa Miren Pastor (Pamplona, 1985). Fotógrafa y dinamizadora cultural, Miren Pastor es la autora de dos libros de fotografía (Bidean I y Bidean II) de amplio reconocimiento, es ganadora del ING Unseen Talent Award del festival Unseen de Holanda en el año 2016 y su obra ha podido verse en instituciones como en el Centro de Arte Contemporáneo Huarte, en el Centro de Arte Alcobendas, en el Festival Circulation(s) de París y en el Festival FORMAT de Reino Unido.

 

En la charla, Miren nos hablará de Bidean, su proyecto mas ambicioso, una reflexión sobre la transformación en el ser humano y en el entorno natural, que partió como una documentación de los cambios de la adolescencia y ahora ha derivado a una meditación sobre el paisaje como metáfora vital y testigo de nuestras transformaciones.

 

Firme defensora del formato libro para difundir la fotografía,n o pierde la oportunidad de realizar BookJockeys  (sesiones de música y libros muy dinámicas y visuales) con el fin de experimentar y dar difusión al fotolibro más allá del ámbito fotográfico.

 

Miren Pastor compagina además su labor como artista con la coordinación de Blank Paper Escuela de Fotografía, la plataforma para fomentar la cultura en redes, MOB y el colectivo La Troupe.

 

En la charla, Miren Pastor conversará con el fotógrafo cartagenero Agus Bres, miembro del colectivo underphoto. 

 

 

14 de Diciembre Vincent Sáez en conversación con BEGO ANTÓN.

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